Описание (клик - развернуть/свернуть):
«Алита: Боевой ангел» появилась в результате причудливого сплава фантазий автора оригинальной манги Юкито Кисиро, режиссера Роберта Родригеса, продюсера Джеймса Кэмерона и не только. Мир получился странным, узнаваемым в каждой отдельной детали, но, на первый взгляд, похожим на перепутанный пазл. Манга о воинственном киборге в итоге превратилась в эдакий небезынтересный гибрид: шумный и беззаботный родригесовский стиль сочетается с эпиком исключительно кэмероновского масштаба.

XXVI век, после серии ядерных войн над Землей парит последний летучий город Залем (Салем), а под ним расположено грязное рабочее гетто Айрон-Сити. Жители традиционно разделены: верхний и нижний мир почти не встречаются. Наверх по киберпанковским гигантским пневмотрубам поступают товары и техника, из Салема сбрасывается мусор на гигантскую помойку. Алита (Роза Салазар) как раз низвергнутый ангел, последний свидетель катастрофической войны, забытый и выброшенный на свалку, где ее подбирает добрый доктор Идо (Кристоф Вальц). Он киберхирург, умеющий сшить живую плоть со смертоносной сталью, — человек в городе незаменимый.

Жизнь на земле непростая: железный век, железные сердца. Киборгизированные люди и обыкновенные друг друга недолюбливают, а иногда даже кромсают на части. Кто может, выплескивает агрессию в жестоком спорте моторболе, которым заведует злодей Вектор (Махершала Али). Но днем этот мир не так уж мрачен: апельсиновый солнечный свет заливает муравейник фавел и обветшавших небоскребов, люди всех рас и модификаций ведут бойкую жизнь мегаполиса.

Открыв огромные глаза, искусственная девочка начинает дарить свою любовь названному отцу, встреченному мальчишке и всему городу. Однако со временем спящая память Алиты пробуждается. Тело киборга лучше всего умеет убивать, а душа велит сражаться за справедливость. Ее в свою очередь хотят уничтожить все злодеи, включая незримого наблюдателя из небесного города (долгожданное и законспирированное возвращение на большой экран Эдварда Нортона).

33-летняя актриса Роза Салазар не просто выглядит моложе лет на 15: огромные «анимешные» глаза производят гипнотическое впечатление. Сперва умиляешься, когда юное создание открывает такие удивительные вещи, как апельсины и шоколад, затем восхищаешься, когда она демонстрирует владение боевыми искусствами и кромсает маньяков. Трудно согласиться с теми, кто находит внешность Алиты неестественно-пугающей. Скорее, это логичное развитие эстетической моды последних десятилетий на «невинность», заставляющая вспомнить в том числе о женщинах-кошках из «Аватара» Кэмерона — тот много лет хотел поставить «Алиту» сам, но в итоге выступил продюсером фильма.

Мимика героини не механическая, и джокондовская улыбка совсем не напоминает робота. Тем более поражает контраст лица и нечеловеческого тела. Точнее, тела она меняет дважды: первое похоже на иллюстрацию из старинного анатомического атласа, второе, с борта затонувшего космолета пришельцев, — на текучую плоть Терминатора.

Героиня фильма оказалась где-то между Галатеей и невестой Франкенштейна. Фильм же ссылается на десяток фантастических сюжетов сразу. Город Залем — это, конечно, Лапута из книги Свифта и также из вдохновленного ею мультфильма Миядзаки. Недостижимая небесная столица, угрозой и мечтой нависшая над земным миром, скрывает тайну прошлой окончательной катастрофы, разделившей общество. Подобно корчевщикам и жестянщикам из «Неукротимой планеты» Гарри Гаррисона, жители двух миров существуют в странном симбиозе и неприятии друг друга. Но какой именно социальный комментарий предлагает фильм? Мир будущего будет раем, но не для всех, — это довольно мелко. Алита из «Союза Республик Марса» явно отсылает к Советскому Союзу — но почему? Темы, образы, отсылки словно собраны чудаком-коллекционером на научно-фантастической свалке. Вдобавок возникают определенные трудности перевода с японского языка на голливудский. То, что в манге или аниме может смотреться как поэзия, в пересказе фильма часто похоже на бред. Поэтому всерьез разбирать мотивацию едва прописанных героев, постоянно меняющих стороны и действующих невпопад, совсем не хочется.

Конечно, поэту китча Родригесу сходило с рук и не такое. Он использует самые форсированные приемы, самые грубые мазки, чтобы нарисовать очередную свою страну чудес без тормозов. Вот закат на свалке и покалеченная кукла на руках у доктора в широкополой шляпе. Вот милую собачку давит железным кулаком злобный гангстер, и Алита размазывает собачью кровь по своему невинному лицу, как боевой окрас. В одной из ключевых сцен Алита (актриса Роза Салазар, играющая с помощью технологии motion capture, но при этом – редкий случай – почти не похожая на героиню мультика) буквально отдает свое сердце возлюбленному. Раскрывает грудь, вынимает его и говорит: «Бери! Это уникальное сердце, ему нет цены, ты его продашь и вырвешься из нищеты, а я уж как-нибудь вставлю себе новое!» Прелесть что такое: сентиментальность Кэмерона сталкивается с ироничным цинизмом Родригеса, прекрасно осознающего, насколько это наивная слезовыжималка для пионерок и пенсионерок. Он не смеется впрямую, но его чеширская улыбка в этой сцене ощущается будь здоров. (Кстати, ближе к финалу есть откровенная цитата из «Титаника» – но тут уж Родригес чуть-чуть посерьезнее.) «Алита» в некотором роде смесь любимых кэмероновских тем. Киборги, не знающие страха. Сильные женщины вроде Сары Коннор или лейтенанта Рипли, способные на все из чувства долга и / или ради любви, неважно, к сыну, бойфренду или человечеству. Наконец, грубоватая, в лоб, мелодраматичность.

Видимо, дело как раз в том, что пафос фильма не мелодраматический и не традиционно-фантастический. Это абсолютно фетишистское кино: Родригес пробуждает в нас сочувствие неживому, вернее — ожившему (вплоть до ассоциаций с фильмами Кроненберга). Да, рейтинг R формально соблюден, но если из ран брызжет не алая, а голубая кровь, это еще не значит, что в нас не отзывается боль покалеченных киборгов. Японское происхождение оригинала «Алиты» особенно отчетливо вспоминается, когда героиня, разделанная металлическими щупальцами монстра, корчится на полу без рук без ног — человеческим обрубком. Такое вот техногуро, немного ночных кошмаров для впечатлительных детей.

Пусть вас не удивляет спокойное вытаскивание из груди сердца. Лютая «Алита» – вообще невиданный (по крайней мере, в крупнобюджетных фильмах с американским рейтингом PG-13) чемпионат по расчлененке. В Айрон-Сити запрещено огнестрельное оружие, но не запрещены лезвия – и на протяжении фильма персонажей бесконечно разрубают пополам (вдоль и поперек), срезают им пол-лица, оставляют от них всего лишь голову, шею, плечо и руку (причем то, что осталось, продолжает сражаться). Бывает, что расчленяют полностью и упаковывают в аккуратный сундук, причем все части тела продолжают функционировать. Но в этом мире легко отрезать живому человеку голову, потом пришить ее на металлопластиковое тело – и человек будет бегать быстрее прежнего. Родригеса, обожающего все это мочилово, выручает только то, что половине расчленяемых персонажей как бы не больно и кровь из синтетических тел хлещет не красная, а синяя.

У Родригеса уже была тема сверхмощных сменных тел — в «Детях-шпионах». Там подростки (а также дедушка героя) становились киборгами в виртуальном пространстве. В целом ясно, что «Алита» — не столько экранизация комикса, сколько метафора видеоигры. Здесь можно получить любое тело лучше прежнего, ты — это только твой разум. Возможно поэтому без внимания оставлены некоторые нескромные вопросы: как обстоит дело с физическим проявлением чистой любви Алиты и ее бойфренда. Любовь во влажном блеске глаз, а тело — для вечной войны игрушечных роботов. Залем буквально хочет получить твой мозг (в таком виде иных умников отправляют наверх, своего рода социальный лифт). Мозг, сердце и смелость — невидимому Гудвину.

Мотив отчуждения от тела в эпоху постоянно возникающих революционных технологий, возможно, еще окажется пророческим. Поэтому сиквелов истории хочется ждать, несмотря на некоторую легкомысленность исполнения. А если отбить сюжет не удастся — что ж, наверное, мы просто подзабыли, как плакали по пластиковым куклам и солдатикам, когда те ломались.

«Алита» - это действительно яркое, сочное, живое и талантливое кино, как минимум – с незабываемыми злодеями, гонками, драками и бешеной фантазией. Это честное кино. Где-то наивное, где-то чересчур схематичное, но та искренность и увлеченность, с которыми его создавали, чувствуется в каждом кадре.

Интересные факты:

Фильм основан на манге «Gunnm» Юкито Кисиро (1990-1995). В США манга была издана под названием «Боевой ангел Алита» («Battle Angel Alita»).

Этот фильм Джеймс Кэмерон собирался снимать ещё в начале 2000-х, однако так увлекся созданием «Аватара», что желание занять режиссерское кресло постепенно сошло на нет.

Продюсер Джеймс Кэмерон и режиссёр Роберт Родригес рассматривали на главную роль четырёх актрис — Зендею, Розу Салазар, Майку Монро и Беллу Торн. В конце концов на роль утвердили Салазар.

Рассмотреть кандидатуру Кристофа Вальца на роль доктора Дисона Идо Роберту Родригесу предложил их общий друг Квентин Тарантино.

В начале декабря 2005 года на сайте компании Mali Finn Casting был объявлен набор кандидаток на главную роль в фильме. Позже выяснилось, что произошла ошибка, и актриса требовалась на роль в фантастическом фильме Джеймса Кэмерона «Аватар» (2009).

На роль Хьюго претендовали актёры Эван Джогиа, Дуглас Бут, Джек Лауден и Ной Сильвер.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
В современной Америке рулит компания «Каслан», снабжающая искусственным интеллектом все, что угодно — от игрушек до автомобилей. До недавних пор хитом продаж была кукла Бадди, которую можно подключить к смартфону и чьи электронные мозги обладали способностями к самообучению. Правда, они часто глючили и потихоньку снимались с производства, уступая дорогу новым моделям. Однажды затырканный сборщик, обидевшись на крикливого босса, в отместку поотключал в одном из Бадди все протоколы безопасности. Разумеется, именно эта кукла попадает в руки мальчика Энди, у которого нет друзей, зато есть непутевая мамаша с непостоянными кавалерами и слуховой аппарат. Так у Энди появляется новый приятель по имени Чаки, обожающий своего хозяина и готовый ревностно отстаивать его внимание, пускай для этого придется чуток поорудовать ножом.

Серия ужасов «Детская игра» понятна будет наверно только тем, кто застал её в 80-е и 90-е годы. Новому зрителю покажется нелепостью тот факт, что ожившая кукла убивает людей, да ещё и умудряется делать это крайне успешно. И если тридцать лет назад это ещё как-то пугало, то сейчас нужно очень постараться, для того чтобы впечатлить зрителя. Начинающий режиссёр Ларс Клевберг даже и не стал пытаться напугать хоть кого-то. Он превратил «Детскую игру» в этакую чёрную комедию, да и посудите сами, что ещё можно было сделать с подобным контентом? Основная же проблема римейка заключена в том, что по причине большого количества сиквелов оригинальной картины, да и архаической тематики, из истории про Чаки выжато всё, что только можно, и потому сильно увлечь, удивить, и, тем более, напугать новодел почти не в силах. Это вполне крепкое кровавое развлечение, не лишенное искорки, но запомнится надолго оно вряд ли. И как не стараются авторы фильма соригинальничать, многие ходы угадываются на два шага вперед, а сценарные благоглупости и наив вызывают глумливые смешки (особенно провоцируют на пошлые реплики в зале кадры, где Энди учит Чаки правильно открывать рот).

Итак, прежде всего в сюжет были внесены ключевые изменения. Одинокий ребёнок по имени Энди получает самую желанную игрушку в подарок от своей мамы Карен. Игрушка — кукла по имени Чаки. Души маньяка на этот раз нет; дело в том, что с робота сняли ограничения безопасности. Чаки слетает с катушек и начинает кровавую резню.

В этот раз всё играет на модной цифровой форме, как отражения современной эпохи. При этом, что интересно, сюжет не скатывается в подражание «Черному зеркалу»; видно, что создатели не особо мудрствовали и просто использовали современные тренды как зеркало текущего дня, чтобы концепт воспринимался свежо. Честно говоря, авторы преуспели. Первая половина фильма, безусловно, сильнее второй (где и начинается кровавая оргия) и не случайно, ведь она смешная и искренняя. Одинокий подросток встречает нового другого из «виртуального» мира и тот оказывается опасен. Это интересный поворот, потому что сценарий играет на детском страхе, растерянности и эмоциональном развитии. Дети в этом фильме стараются изо всех сил сориентироваться в мире взрослых. Тот факт, что Чаки является им проводником в мир жестокости (и, по сути, представляет собой аллегорию интернета) является весьма хитрой уловкой. Вероятно, создатели не закладывали подобного, но бытие формирует сознание, так что параллели можно легко провести.

Новую «Детскую игру» - есть за что хвалить, ибо оригинальный сюжет 1988 г — это лишь мотив, все остальное хорошо продуманное зрелищное сценарное решение, пусть и с характерными клише. Технически кино снято вполне пристойно. У него неплохая динамика и есть даже саспенс, действие старается быть непредсказуемым (иногда это получается), наличествует атмосферная картинка со смачным световым и цветовым решением, в репликах и ситуациях проскакивают удачные приколы, а персонажи пытаются быть живыми и полнокровными. Интересно становление Чаки как персонажа. Фильм не сразу кидает зрителя в бессмысленную кровавую баню, как это было в оригинале. Он постепенно объясняет все поступки куклы, указывает на аспекты, из-за которых он стал кровожадным маньяком, показывает зарождение дружбы между мальчиком и роботом и ее конец. Такое повествование делает его полноценным персонажем, даже не смотря не то, что он механическая игрушка. Не удивительно, что одна из главных мыслей фильма: у каждого ребенка должен быть друг.

Где-то во втором акте «Детские игры» начинают всё сильнее злоупотреблять слэшер-составляющей. После того, как Энди обнаруживает сильные склонности Чаки к насилию, последний вообще уходит в разнос. Обидно, что в насилии в «Играх», при всем том креативе, что был задействован, нет ничего интересного. Вряд ли фильм ориентирован на фанатов ужасов, а случайный зритель будет, скорее всего, брезгливо морщиться.

Ну и отдельный вопрос к создателям нового дизайна самого антагониста — если в фильме 1988 года Чаки до его пугающих метаморфоз, случившихся под влиянием потусторонних сил, был вполне милой игрушкой, то неужели вы всерьез думаете, будто ваша жуткая резиновая Зина, которую словно клепали в одной мастерской вместе с приснопамятной Аннабель, является пределом мечтаний для каждого ребенка?

Интересные факты:

Куклу Чаки озвучивает актер Марк Хэмилл, больше известный миру по роли Люка Скайуокера и голосу Джокера в мультфильмах о Бэтмене.

Отдельное удовольствие — сравнивать «Детскую игру» с «Историей игрушек 4», которые умудрились выйти в прокат в один день и даже обменяться ёрническими постерами. В обоих фильмах речь идет про игрушку мальчика Энди (!), задумавшуюся о своем предназначении (!!) и выходящую за рамки своей «программы». В фильмах даже есть почти полностью совпадающие сцены — когда бывшая любимая игрушка отправляется в шкаф, откуда с тоской смотрит за играми тех, кому повезло больше. Так что два фильма оказываются практически двумя путями разработки одного и того же сюжета — что предпримет игрушка, когда поймет, что больше не нужна, а ее «хозяин» — не царь и бог, а скорее рабовладелец?

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Готэм, начало 1980-х годов. Комик Артур Флек живет с больной матерью, которая с детства учит его «ходить с улыбкой». Пытаясь нести в мир хорошее и дарить людям радость, Артур сталкивается с человеческой жестокостью и постепенно приходит к выводу, что этот мир получит от него не добрую улыбку, а ухмылку злодея Джокера.

В «Джокере» соавтор сценария Тодд Филлипс предлагает на суд публике собственное видение одного из самых культовых злодеев в истории. По-настоящему его Джокера зовут Артур Флек – это выдуманное режиссёром имя, поскольку как такового каноничного имени у персонажа никогда и не было. Да и в целом, Джокер не имеет устоявшейся и однозначной истории. Интерпретаций его зарождения много, где-то он и вовсе выступает таинственной фигурой без предыстории. И с одной стороны, идея снять фильм про то, как, собственно говоря, Джокер стал зловещим клоуном-убийцей безумно интересна, а с другой – окутывающая персонажа завеса тайны лучше всего всегда работала на его пугающий образ. В этом вопросе режиссёру было важно найти баланс, который, отчасти, он нащупал в Артуре Флеке.

Сам же Артур Флек, в грандиозном перформансе гениального (теперь уже навеки) Хоакина Феникса, одновременно напоминает всех тех Джокеров, которых большой экран уже видел, и нечто совершенно другое, пришедшее скорее из комиксов. Основа персонажа осталась такой же, как и всегда. Джокер в фильме Филлипса всё такой же сумасшедший психопат, представляющий из себя главную опасность не только для Готэма, но и для всех членов семьи Уэйнов. Кардинально отличается Артур Флек лишь тем, что его трансформация в Джокера занимает не просто центральную роль во всём фильме, но ещё и возведена в такой уровень абсолютного зла, что смотреть за ним становится по-настоящему страшно.

Джокер вызывает не симпатию в отношении себя, а скорее жалость. Он не говорит заведомо культовыми цитатами, он не развлекается, он не пытается кому-то что-то навязать или доказать, он просто действует, исходя из своих личным мотивов и целей. А мотивы у него весьма простые и по-человечески трагические: всю жизнь Артура никто не слышал, об него вытирал ноги Готэм, он был никому не нужен, забыт и осуждён общественном, относящимся к психически больным людям с неким скептицизмом. В этом вопросе режиссёр кидает Джокера не в чан с химикатами, а в общество, живущее в городе, в котором процветает капитализм, чьи идеи и старается подрывать Филлипс, показывая, что из всего этого может родиться и выбежать на улицы, заведомо разукрасив себя.

Готэм в фильме не выглядит как мануфактура, которую смог выстроить давным-давно Бёртон, и что отчаянно старался, но так и не смог создать Нолан. У Филлипса Готэм, из-за не самого большого бюджета, выглядит как Нью-Йорк, но с жёсткими социальными рамками. В районах, где проживают обычные люди и сам Артур, на улицах постоянно валяются мусорные мешки в таких неисчислимых количествах, что горожане день за днём устраивают акции протеста. Более того, через призму самого Артура режиссёр подчёркивает безразличие или скорее даже привычку города к насилию. Никого не смущают крики женщины ночью в переулке, никто не замечает стрельбу и уж тем более никто не придёт на помощь, поскольку из-за временных рамок картины, будущий Бэтмен ещё ребёнок. А это значит, что полиция как бы есть и как бы её и нет, ловить преступников она предпочитает уже после совершения преступления или же тогда, когда под угрозой находится жизнь богатого и влиятельного человека вроде Томаса Уэйна.

Идеальные условия, чтобы в них появился Джокер – человек с вагоном психологических и физических заболеваний. Авторы старались сделать своего героя как можно реалистичнее, логично объяснив даже самые комиксовые детали героя. Так, например, фирменный смех Джокера – это болезнь, недуг, портящий жизнь и с которым Артуру Флеку приходиться справляться раз за разом, из чего он напоминает всем фрика и, как следствие, грушу для битья. Сама же трансформация Артура в Джокера преподнесена с немного нестандартного для персонажа подхода. Артур не совсем превращается в клоуна-убийцу.

Режиссер переписал всю историю Джокера на свой лад. Его герой - хронический неудачник. Обиженный дядька с интеллектом ребенка, страдающий неконтролируемым приступом смеха во время стресса. Из-за таких особенностей он регулярно получает по голове ни за что и постоянно ощущает давление окружающего мира. Таким образом режиссер хотел показать, до чего такая несправедливость может довести маленького человека. Пожалуйста. Имеет право. Но вот проблема. Его персонаж, практически до самого финала, не борется с ситуацией. Даже после первой поворотной точки изменения не происходит. Джокер всё тот же инфантильный, наивный персонаж без намека на критический склад ума. Утопая в депрессии, он часто ведом ситуацией. Но мы-то с вами знаем. Он не такой. Он криминальный гений, яркий психопат-убийца, и режиссер пользуется этим пролепсисом. Потому мы смотрим фильм до конца. Чтобы увидеть эту окончательную трансформацию. Увы, но весь путь героя-это набор случайностей и роялей в кустах, где сюжет двигает персонажа, а не персонаж – сюжет. Кульминация же вообще выглядит нарочито искусственно, где выпуклость конфликта оказывается важнее здравого смысла. И всё для того, чтобы уже дать наконец-то зрителю того, что он хочет.

Если бы фильм назывался не «Джокер», мы бы видели перед собой затянуто-скучную драму. С финалом, где неудачник случайно оказывается символом массовых беспорядков, абсолютно ничего не осознав. Да и плевать он хотел. У клоунов и лузеров своя аудитория.

А играет это лицо тот, кто по-хорошему, как и Филлипс, заслужил и для себя самого приз в Венеции, но не смог получить его из-за спорных правил фестиваля: фильм-победитель не может учувствовать в актёрских номинациях. От Хоакина Феникса все ждали чего-то великого, и это великое получили. В энергетике Джокера есть что-то от главного героя «Мастера», исполненного так же Фениксом, которого он усовершенствовал, доведя местами до абсурда и полнейшего безумия. То, как говорит Феникс, двигается, жестикулирует и смотрит на окружающий мир – завораживает, но отнюдь не привлекает. Артуру хочется помочь, но память о том, что лучше этого не делать, берёт вверх каждый раз, когда Хоакин Феникс начинает смеяться в кадре – что-то больное и дьявольское в этом всём есть.

Джокер – это чуть ли не одна из лучших работ Феникса в его карьере. Он удерживает всё внимание зрителей на себе, не позволяя им отвернуться от экрана даже тогда, когда персонаж с особой жестокостью начинает расправляться со своими жертвами. Его Джокер особо не разглагольствует, он просто берёт и делает, делает со всей аморальной искренностью и наслаждением, превращая лицо человека в кровавое месиво. Языком ультранасилия и раскрывается в первую очередь Артур – он человек, который хочет быть услышанным. У него огромное количество проблем. Самое страшное в этом то, что он это понимает, но не окружающие. И здесь режиссёр проводит черту между крайностями общества: психически больных людей либо затыкают, предпочитая сбрасывать их со счётов, или возводят к культ, позволяя им становиться лидерами мнений.

По своей структуре «Джокер» – это кино про антигероя сегодняшнего дня. Артур антигерой лишь потому, что в нём есть светлая сторона, которую из раза в раз подавляет окружающее его общество. Но она всё же есть, хоть и проявляется в весьма агрессивном ключе. В этом плане очень сильно заметен Мартин Скорсезе – главное вдохновение Филлипса. Из наиболее очевидных референсов в «Джокере» мелькает несколько раз «Таксист», которого персонажи фильма чуть ли не языком жестов цитируют. На огонёк так же записывается и сам визуальный стиль раннего Скорсезе с его зелёно-жёлтыми тонами и мрачными улицами грязного города. А соединяет «Джокера» с работами Скорсезе сам Роберт Де Ниро, напоминающий наиболее коммерциализированный вариант самого себя из «Короля комедии».

«Джокер» – ультразверское авторское кино, обречённое на культовый статус. Лучший фильм Тодда Филлипса в его карьере уже перевернул вверх дном кинематографическое сообщество, показав то, чем комиксы были и должны быть всегда. Сегодня супергеройское кино больше старается походить на детское развлечение, в то время как у их истоков стояли серьёзные темы и проблемы. И если смотреть на работу Филлипса с этой стороны, тогда получится с оскалом на лице закричать, что «Джокер» – идеальный супергеройский кинокомикс, доказывающий, что этот жанр продолжает развиваться на больших экранах и что с ним ещё можно экспериментировать и экспериментировать.

Интересные факты:

Боссы студии хотели, чтобы роль Джокера исполнил Леонардо ДиКаприо. Среди других потенциальных исполнителей этой роли были Брэдли Купер, Джейк Джилленхол, Адам Драйвер, Джеймс Франко, Уилл Поултер, Дэн Стивенс, Пол Дано, Калеб Лэндри Джонс, Иван Реон и Билл Скарсгард.

Для роли Джокера Хоакин Феникс похудел на 24 килограмма и месяцами репетировал разные виды смеха.

На Венецианском кинофестивале демонстрировалась версия фильма продолжительностью 118 минут. По окончании показа фильма зрители устроили ему 8-минутную стоячую овацию.

Меньше чем за месяц с начала мирового проката «Джокер» стал самым кассовым фильмом с рейтингом R в истории.

Шутка Джокера: «Когда я был маленьким мальчиком и говорил людям, что собираюсь стать комиком, все смеялись надо мной, а теперь никто не смеётся», вдохновлена высказыванием покойного британского комика Боба Монкхауса: «Люди смеялись надо мной, когда я говорил, что хочу стать комиком. Теперь они не смеются».

При подготовке к роли Джокера Хоакин Феникс изучил движения и мимику звезд немого кино Бастера Китона и Рэя Болджера.

Чтобы сохранить производство фильма в секрете, во время съёмок рабочим названием картины было «Ромеро». Возможно, это отсылка к Сесару Ромеро, который тоже сыграл Джокера.

Готовясь к роли, Хоакин Феникс читал про различные расстройства личности. Он хотел показать Джокера так, чтобы даже психиатры не смогли бы определить, что с ним.

Хоакин Феникс взял за основу смеха своего героя неврологическое расстройство, которое вызывает у людей неконтролируемые приступы смеха. Он старался изобразить персонаж, с которым публике будет трудно себя ассоциировать.

Грим Джокеру сделали таким, чтобы он походил на Джона Уэйна Гейси-младшего (1942-1994), американского серийного убийцу 1970-х, который подрабатывал на детских праздниках и вечеринках в образе клоуна по имени Пого.

В целях экономии компьютерная графика в фильме практически не применялась. Одной из немногих сцен с применением компьютерной графики стала та, в которой Артур направляется к зданию лечебницы «Аркхэм», чтобы посмотреть историю болезни матери.

Героиню актрисы Шэрон Вашингтон зовут Дебра Кейн. Фамилию героине дали в честь Боба Кейна (1915-1998), соавтора комиксов о Бэтмене.

Вымышленное жилище Джокера находится по адресу 10452, Андерсон Авеню, 1147, Бронкс, Нью-Йорк.

В сцене убийства в метро Артур стреляет 8 раз из шестизарядного револьвера.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Со времени событий «Зова джунглей» прошло три года: друзья из прошлой части разбрелись кто куда, жить своей жизнью и радоваться новому дню. Не радуется один Спенсер (Алекс Вульф), который учится в холодном Нью-Йорке, подрабатывает на ужасной работе и из-за своей скованности потерял отношения с Мартой (Морган Тёрнер). Вернувшись домой на каникулы, он — вместо того чтобы встретиться с друзьями — решает сам, в одиночку, запустить «Джуманджи», которую он, вопреки обещанию, не уничтожил. Поняв, что случилось, друзья отправляются за ним и случайно (консоль-то неисправная) захватывают с собой дедушку Спенсера Эдди (Дэнни ДеВито) и мистера Майло (Дэнни Гловер) — некогда близкого друга Эдди, с которым они давно разругались из-за некоего бизнес-конфликта.

Обновлённое «Джуманджи», согласитесь, — франшиза очень странная. В век, когда даже культовые серии не могут перезапустить так, чтобы не получить очередной катастрофический провал (посмотрите на «Терминатора», с ним уже третий раз обламываются), вдруг появляется фильм, основанный на кино двадцатилетней давности, которое не было ни большим коммерческим или критическим успехом, ни даже, собственно, франшизой. И вдруг оказывается огромным хитом, собирает почти миллиард в мировом прокате и на пару с беспроигрышным «Человеком-пауком» выводит киноподразделение Sony из череды кассовых неудач.

И ведь совершенно не ясно, откуда взялся такой успех: «Зов джунглей» не особо работал как ностальгическая адвенчура (уж точно не на фоне «Пробуждения силы» или «Первому игроку приготовиться»), а самая его любопытная часть — осмысление игровых условностей в формате кино — едва ли могла зацепить молодую аудиторию хотя бы потому, что сделана с довольно устаревшей оптикой. Это была стерильная экшен-комедия на 3,6 рентгена — не хорошо и не ужасно, — и, кажется, причину её выдающейся популярности не поняли даже авторы. А потому в сиквеле на всякий случай решили снять примерно то же самое — и даже без всяких привычных сиквельных «больше, лучше, сильнее». Просто то же самое. Броские визуальные эффекты, демократичный юмор, качественно выстроенный баланс смехотворного и правдоподобного, доходчивая утешительная мораль — все эти компоненты делают «Джуманджи: Новый уровень» достойным рождественским развлечением для любого состава зрителей.

Единственное разительное отличие «Нового уровня» — включение двух персонажей - стариканов, обаятельных Дэнни ДеВито и Дэнни Гловера. С ними связаны самые удачные сцены фильма (и единственный по-настоящему смешной гэг, в котором ДеВито, уже выйдя из игры, использует «испепеляющую харизму») и внезапно появившаяся в милом блокбастере тема принятия смерти. Которая, конечно, проста и банальна, но в теории могла завести кино в интересные моральные дебри — вот только обращается с ней «Джуманджи» очень странно: слишком нелепо, чтобы счесть это мелодраматичным, и уж очень слёзно, чтобы воспринять как тонкую иронию.

Обаяние своих старичков фильм эксплуатирует максимально неумело: большую часть времени герои ДеВито и Гловера спрятаны под кожей кривляющихся Дуэйна Джонсона, Кевина Харта, а затем ещё и Аквафины, одинаково ужасно пытающихся передать их колоритные ужимки. Так интересный в теории сдвиг перспективы превращается в объект однообразных скучных шуток в жанре «ок, бумер» — которые при этом сами звучат очень по-бумерски и явно без особого понимания предмета (то бишь видеоигр).

Оно и понятно: режиссёру Джейку Кэздану самому уже под полтинник, и его насмотренности (наигранности?) хватает только на повторение знакомых шуток про NPC (в первой части это было даже забавно) и стереотипный подзаголовок «Новый уровень» (очередная часть, видимо, будет «Гейм овер»). На самом деле никакого «нового уровня» тут, конечно, нет — всего лишь смена декораций и унылый бэктрекинг по сработавшим когда-то гэгам и повторенным смыслам об обретении себя через проживание реальных эмоций в виртуальном пространстве. Классно, конечно, что от морали «игры — зло» мы перешли к сентенции «игры — норм, если из них выходить», но, простите, илберг это сделал лучше, драйвовее и гораздо красивее.

Интересные факты:

Сцена, в которой герои спасаются от обезьян, перепрыгивая с одного подвесного моста на другой, является отсылкой к классической компьютерной игре Super Mario Bros 1985 года (занесена в «Книгу рекордов Гиннесса» как самая продаваемая игра в истории).

Некоторые герои фильма не в состоянии вспомнить, что было в оригинальном фильме, потому, что все те события были стёрты, когда игра перезагрузилась и вновь пошла с того момента, когда в ней оказался Алан. Точно так же только некоторые персонажи помнят временную линию, в которой Алекс отсутствовал в течение 20 лет.

В конце фильма Спенсер показывает деду, как нужно играть в игру, в которую он играл в начале предыдущего фильма франшизы.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Прошло много лет с тех пор, как мальчик с паранормальными способностями Дэнни Торранс пережил кошмарный сезон в отеле «Оверлук», где стал свидетелем безумия и гибели своего отца. (Речь идет о фильме «Сияние»). Повзрослев, Дэн вёл жизнь маргинала-алкоголика, а теперь пытается завязать и даже устроился на работу в дом престарелых. Там он безошибочно определяет, кому из постояльцев подошла очередь покинуть этот мир, за что и получил прозвище Доктор Сон. Однажды с Дэном устанавливает связь невероятно одарённая «сияющая» девочка Абра. Вскоре ей потребуется его помощь, чтобы противостоять членам организации «Истинный узел» – группы охотников за особенными детьми, для которых детское «сияние» — питание, гарантирующее вечную жизнь.

Еще вчера сиквел «Сияния» Стэнли Кубрика — самого совершенного (не обязательно лучшего) хоррора в истории, неизменно возглавляющего наряду с «Психозом» и «Ребенком Розмари» жанровые топ-листы, — казался святотатством и априори самоубийственной затеей, пусть сам Стивен Кинг, выпустив в 2013 году пухлый роман про выросшего Дэнни, автоматически ее санкционировал. Вдобавок Майк Флэнаган, 40-летний режиссер, поставивший успешные оккультные хорроры «Окулус» и «Уиджи. Проклятие доски дьявола», эффектный триллер «Тишина» (который очень хвалил Кинг) и не очень удачную «Игру Джералда» (по Кингу), известен широкой публике разве что по Netflix-сериалу «Призраки дома на холме» и уж точно не Кубрик. Поэтому главная новость такая: экранизация «Доктора Сна» может нравиться или нет — мнения в данном случае наверняка разделятся, — но в том, что этот фильм имеет право на существование - никаких сомнений не остается.

«Доктор» как бы состоит из двух частей, и косплей Кубрика, на самом деле, является частью не только меньшей по объему, но и менее значительной. Да, адептам придется проявить немного выдержки: Флэнаган самовольно вселяется в отель «Оверлук», врубает знаменитую музыкальную тему по мотивам «Dies Irae», буквально перерисовывает по клеточкам какие?то фрагменты и — что, наверное, пережить сложнее всего — использует похожих актеров, играющих маленького Дэнни, мудрого повара, бедняжку Вэнди, голую бабку из номера 237 и даже старину Джека (забавный факт: двойник Николсона тут — актер по имени Генри Томас, который примерно во времена «Сияния» играл главную роль в спилберговском «Инопланетянине»).

Но если поначалу это детское копирование, естественно, раздражает, то когда мы отправляемся на территорию «Сияния» повторно, экскурсия выглядит уже и более оправданной, и по-своему остроумной, а местами даже и вдохновенной. Кинг в этих сценах практически ни при чем — Флэнаган разговаривает напрямую с Кубриком, и в этой почтительности, переходящей в неслыханное нахальство, определенно что?то есть.

«Сияние» Кубрика — фильм про то, как человек медленно сходит с ума в изолированном пространстве. Фильм тесный, неуютный, давящий своей неестественной симметрией, мрачными образами и жуткой атмосферой. «Доктор Сон» даже не пытался подхватить дело Кубрика и просто пошёл в другом направлении. Он не развивает старых персонажей, а даёт новых. Он не продолжает старые темы, а рассказывает другие.

Основной же массив фильма едва напоминает о предшественнике — скорее уж о вампирской классике Кэтрин Бигелоу «С приходом тьмы». Бесподобная злодейка Фергюсон в образе фолк-певицы из 70-х и ее дружки, разъезжающие в затемненных фургонах по проселочным дорогам, могли бы спеться и с хиппи-сатанистами из «Мэнди». Лучшее в «Докторе» — это кочевая жизнь пожирателей «сияния», подгоняемых, как вурдалаки, вечным голодом.

Что касается нытика Дэнни, его дружбы с паранормальной девочкой (они смешно обмениваются телепатическими эсэмэсками на грифельной доске) и их общей борьбы, то эта линия как раз слабовата. Она — вполне в кинговском, впрочем, духе — приторна, слишком демонстративно лишена внутренней логики с правилами, которые придумываются у нас на глазах, и чем дальше, тем больше напоминает средний супергеройский комикс. Еще и с какой?то грошовой моралью, от которой у Кубрика бы пошла кровь носом: сияй, мол, деточка, никого не слушай.

И все же со всеми своими многочисленными несовершенствами «Доктор Сон» заслуживает внимания и уважения. Он длинноват (хотя эти два с половиной часа пролетают быстро), где?то глуповат и, главное, почти не страшен. Все, что и по сей день пугает в «Сиянии», в «Докторе Сне» теряет налет тревожности и оказывается пустышкой. Нет того гнетуще-мистического ощущения... нет, не ужаса, скорее, психологического давления. Но это отчаянно амбициозный, весьма изобретательный и необычный фильм, который не паразитирует на чужих идеях, как может сослепу показаться, а пытается придумать из них что?то новое. Даже если получается с переменным успехом, Флэнаган все равно и честнее, и смелее, чем его бесчисленные коллеги, потихоньку растаскивавшие паркет «Оверлука» на сувениры последние 40 лет.

Интересные факты:

Как и персонаж, которого он здесь сыграл, Юэн МакГрегор является алкоголиком в завязке.

«Когда фильм закончился и пошли титры, Стивен Кинг положил руку мне на плечо и сказал: «Ты чудесно поработал». Я чуть не умер от счастья», — вспоминает режиссер Доктора Сна Майк Флэнаган.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Надо немного погрузиться в прошлое, дабы зритель, ещё не успевший узнать, что же за блюдо такое этот «Зомбилэнд» и с чем его ели. По сути, в 2009-ом году, когда и вышел комедийный боевик «Добро пожаловать в Зомбилэнд» все были уверены, что тема зомби-апокалипсиса жёвана-пережёвана и ничего нового в поджанр внести невозможно, только снять очередной шаблонный трэшак. Но снабжённый добротным юмором, выпуклыми, хорошо прописанными персонажами, и интересной текстурой всей истории «Добро пожаловать в Зомбилэнд» понравился не только зрителям, но и критики внезапно оказались удовлетворены увиденным, что на них не похоже. Так что несколько номинаций в экшн-секторе кинофорумов были заслужены всей командой фильма, в том числе и актёрским квартетом, где каждый что-то привносил от себя и добавлял к другому, если уж проявлялись некие слабости. В общем, «Добро пожаловать в Зомбилэнд» действительно интересный и оригинальный проект, который можно смотреть даже несмотря на лютую ненависть к жанру.

И 122 миллиона кассовых сборов при бюджете в 42, одобрение публики и критиков, справедливо указывали на появление сиквела. Но, как уже все поняли, его создание было десять лет в подвешенном состоянии, и всё же мы дождались. И вот Тэллахасси (Вуди Харрельсон), Коламбус (Джесси Айзенберг), Вичита (Эмма Стоун) и Литтл Рок (Эбигейл Бреслин) обосновались в Белом доме, но их терзают внутренние распри вроде семейных. И как бы они нашли наконец-то где им жить, да добра наживать, но Литтл Рок в свой пик пубертатного периода отправилась к пацифистической мечте в обитель последователей хиппи. Оставшееся трио и внезапно примкнувшая к ним "типичная блондинка" Мэдисон (Зои Дойч) вновь отправляется в путь. А на нём они, естественно, встретят немало зомби, некоторые из которых мутировали и стали куда более выносливыми, злыми и кровожадными.

Если центральной сюжетной аркой первой ленты было путешествие в парк аттракционов в целях поиска убежища от зомби и попутного поиска пирожных Твинки, то в данной ленте всё сводится к поискам сбежавшей Литтл Рок. Что также выливается в настоящее дорожное путешествие по всей Америке, сдобренное многочисленными словесными перепалками героев друг с другом и различными комичными ситуациями в духе Saturday Night Live.

Безусловно одним из главных достоинств картины является возвращение практически всей производственной команды оригинальной ленты. Что пожалуй и позволило авторам максимально точно воссоздать дух, атмосферу и колорит оригинала. Творческая команда постаралась на славу: все герои блещут харизмой и юморесками, параллельно изничтожая зомби самыми оригинальными способами под забойный саундтрек, на первой строчке которого гордо расположилась Metallica. И выглядит всё это месиво эффектно и зрелищно, однако сюжет картины не раскрывает ничего нового или потенциально интересного, благодаря чему картина функционирует по правилу "экшн ради экшна". Однако, если в пору выхода первого фильма эта сама атмосфера и задор смотрелись достаточно оригинально, то спустя десять лет и ряда фильмов аналогично хулиганского характера фильм уже не способен сильно удивить. Разве что, куда большим количеством крови и кроваво убиваемых на экране живых мертвецов. Когда как в остальном режиссура Рубена Фляйшера оказалась чуть слабее и стерильней.

Сиквел бережно сохраняет всё достигнутое ещё в первом фильме. Это и грубый, едкий, мужланский, если угодно, говор Тэллахасси, который как никому идёт именно Харрельсону с его устоявшимся экранным типажом. Это и добродушный, но скользкий Коламбус. Это и пробивная Вичита. Сцены потасовок в зомби сняты в той же манере и не лишились напряжения вкупе с тонкой балансировкой юмора. Шуток много и определенная их часть отсылает к истории Америки. Поэтому не зная местный фольклор - рискуете потерять большую долю иронии.

Новоприбывшие персонажи не провалили свои задачи. Пусть героиня Дойч дико выводила из себя, но это и нужно было создателям - потешиться над глупостью девочек из группы поддержки. А Доусон всегда хорошо на вспомогательном плане, делая образы выразительными и запоминающимися. Конечно, некоторые черты слишком повторяют язык оригинала, но всё равно хуже от этого «Контрольный выстрел» не становится.

Выстраивая история по канонам дорожных приключений, создатели смогли насытить сюжет множеством локаций и неожиданными звездными появлениями. Занимательно прописанная связь новой истории борцов за выживание во время зомби-апокалипсиса с наследием Элвиса Пресли добавляет исключительности сюжету. Отель-музей имени Элвиса Пресли получился колоритным и запоминающимся, в нем прям чувствуется атмосфера рок-н-ролла. Хорошо, что изрядная часть фильма прошла именно здесь, но все в меру - дольше положенного сюжет на одном месте не тормозит.

«Контрольный выстрел» вышел не идеальным, но классным. Рубен Фляйшер все-таки держал все под своим контролем и постарался сделать по меньшей мере очень веселый фильм, который неплохо развлекает, смешит и просто позволяет нам насладиться еще одной встречей с полюбившимися ребятами.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
В 1990 году на то время уже зарекомендовавший себя как грамотный мультипликатор Эндрю Стэнтон становится сотрудником бурно развивающейся в руках Стива Джобса компании Pixar. А в 1995-м имя Стэнтона значится в списке сценаристов первого созданного полностью на компьютере фильма – той самой оригинальной «Истории игрушек». Дальше мультипликатор отправится в режиссерское плавание как с мультпроектами: «Приключения Флика», «В поисках Немо» (а затем и Дори), «ВАЛЛ-И», так и с киноисториями: «Джоном Картером» и парой эпизодов второго сезона «Очень странных дел». Но все эти годы Стэнтон, как и, например, создатель «Тачек» Джо Лассетер, преданно работал над многолетней «Историей игрушек». Наверное, из-за бережной любви сценаристов франшизе удалось на протяжении всех 24 лет существования остаться трогательной и качественно сделанной сказкой для тех, кто никак не может выпустить из рук своего заплаканного мишку.

Первая «История игрушек» заслуженно принесшая Джо Лассетеру и его команде почетный «Оскар», — начиналась с ревностного сражения двух любимых игрушек мальчика Энди за его сердце и заканчивалась тем, что ковбой Вуди и астронавт Базз становились лучшими друзьями. Во второй серии (1999 год) Вуди похищал безумный коллекционер, а Базз и остальные игрушки его спасали, возвращая домой, к безутешному Энди. Наконец, в третьей части (2010) Энди становился взрослым, и игрушки сначала попадали в детский сад, что едва не кончалось для них катастрофой, а потом — к новой владелице, девочке Бонни. На этом сюжет казался исчерпанным. Но не тут-то было.

Бонни идет в школу, брать с собой игрушки запрещается. Это мнимая завязка: сюжет взросления исчерпан, речь пойдет о другом. Домой Бонни возвращается с новой игрушкой, которая и дает толчок неожиданной интриге. Это Вилкинс — корявая и непрочная самоделка, изготовленная девочкой из пластиковой вилки и других подручных средств. Смастерив Вилкинса случайно, Бонни привязывается к нему больше, чем ко всем своим игрушкам, отныне он — ее любимец. Беда в том, что Вилкинс отказывается признать себя игрушкой. Он твердо знает: его судьба — стать бытовым отбросом. Он не игрушка, а мусор, место ему на помойке. Суицидальные действия Вилкинса не только вносят сумбур в размеренный быт игрушек, но и пробуждают в них страшные подозрения: а что, если все они в конечном счете мусор, какой тогда смысл делать вид, что у них есть душа? Перед нами ни много ни мало фильм о потере смысла жизни и его обретении.

При этом, даже при всей любви создателей, «История игрушек 4», – вообще-то, предприятие крайнего риска. Ведь, казалось бы, вся франшиза не то чтобы зашла в тупик, но благополучно закончилась – точно. Первые две серии уверенно в детство погружали, а третья – помогала выросшим мальчикам и девочкам с ним расстаться. Но так вышло, что во взрослую жизнь надо еще и вступить. Причем проблема отказа от принятия условий игры, которые предлагает окружающий мир, – история регулярная. Неслучайно позволяющие стать на новую жизненную ступень обряды инициации проходили все народы во все времена. Стоит вспомнить греческую мифологию или средневековый эпос, где зачастую герой становился героем лишь после ряда заложенных чуть ли не в коллективном бессознательном действий – именно оттуда, по всей видимости, и идет, к примеру, препоясывание мечом, проходимое каждым рыцарем.

Подобным обрядом видится и финальная «История игрушек». В ней герои уже не пытаются вернуть своего ребенка или хотя бы принять его утрату, а ищут способы жить дальше. Иными словами, дают зрителю своего рода руководство к действию в мире взрослых. Книжку, в которой довольно прямым текстом говорится, что в самостоятельности, если она не превращается в одиночество, ничего плохого нет; что любовь не проснется, даже при отсутствии недостатков, а чувства можно испытывать и к человеку того же пола; что собственное восприятие в большинстве случаев расходится с восприятием окружающих... Не случайны в данном контексте и изменение характера ставшей «сильной и независимой» пастушки Бо, и появление новых героев: условного антагониста фильма – дефектной куклы Габби Габби, к примеру, или привязанных друг к другу мальчиков Заи и Ути. Ну и вскользь упомянем, что в ленте, помимо прочего, есть аллюзии на современные политические реалии и тенденции – те же вопросы гендера и «трампзима» поднимаются знакомым анимации иносказанием.

Перед нами драма, в которой кто-то оставит (или не оставит) семью, кто-то не сможет (или сможет) смириться с выходом на пенсию, а кто-то предпочтет (или не предпочтет) чужое счастье своему. Это абсолютно «взрослая» драматургия — но донесенная до зрителя в детских ладошках. Если предыдущие серии «Истории игрушек» отсылали зрителя к «Винни-Пуху» или «Путешествию „Голубой стрелы“», хрестоматийным сказкам о связи ребенка с игрушками, то новый фильм явственно наследует шедевру Ганса Кристиана Андерсена «Пастушка и трубочист» (Бо Пип пришла будто прямиком оттуда), дважды экранизированному великими аниматорами: французом Полем Гримо в 1952-м и россиянином Львом Атамановым в 1965-м. Там две фарфоровые фигурки, влюбившись друг в друга, сбегали из дома, но на крыше их охватывал страх перед огромным миром, и они возвращались обратно. Прошло больше полутора столетий, а страх перед свободой и независимостью никуда не исчез. В своем блистательном мультфильме студия Pixar по меньшей мере пытается его победить — ее герои преодолевают стереотипы и берут судьбу в собственные, пусть даже фарфоровые или тряпичные, руки.

Молодой режиссер Джош Кули, дебютирующий здесь в полном метре, не чужак, а человек Pixar. Со времен первой «Суперсемейки» он работает на студии раскадровщиком, сам снял два отличных коротких метра — «Джордж и ЭйДжей» по мотивам «Вверх» и «Первое свидание Райли» в продолжение «Головоломки», на которой он был соавтором сценария. Кули виртуозно владеет тем, за что миллионы зрителей любят Pixar: авантюрной интригой, неожиданными трюками, драматургическими поворотами, точным балансом между главной и второстепенными сюжетными линиями, способностью дать слово неочевидным персонажам и влюбить публику в них. Еще важнее то, что у Кули есть свой почерк, интонация, зона интересов, позволяющие моментально отделить «Историю игрушек 4» от предыдущих серий.

И все же «История игрушек 4» не забывает быть такой, какой ее все ждут, то есть как погружающей в детство бессчетным упоминанием ностальгической фразы Базза Лайтера «Бесконечность – не предел», атмосферой вечного карнавала и приятным запахом пыльных полок (здесь эту функцию здорово выполняет антикварный магазин), так и развлекающей остроумием и милыми визуальными аттракционами. Удивительно, но столь позднее возвращение к франшизе оказалось не как обычно необязательным (привет новым «Людям в черном»), а действительно важным, умело завершающим цикл, в котором жили миллионы детей, подростков и взрослых.

Интересные факты:

Создателя студии Pixar и оригинальной «Истории игрушек» (в следующем году ей исполнится 25 лет) Джо Лассетера уволили в рамках кампании по борьбе с домогательствами, а задуманную им новую серию в результате делали другие люди.

Аниматоры нанесли на игрушки царапины и потертости, чтобы показать их старение.

Для сцен в антикварном магазине было воссоздано более 10 тысяч уникальных предметов, прототипы которых команда искала по всей стране. На это ушло более двух лет.

Несмотря на то, что Дон Риклз, озвучивший мистера Картофельная Голова в американской версии фильма, умер в 2017 году, его голос звучит в картине, благодаря архивным записям.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Далёкое будущее. Человечество запустило программу поиска внеземной жизни «Проект Лима», во главе которой стоял капитан Клиффорд МакБрайд. Последний сигнал экспедиции был зафиксирован в районе Нептуна, и с тех пор о её судьбе ничего не было известно. Сам капитан Макбрайд стал героем и самым известным космонавтом, вдохновившим многих на исследование космоса.

Через 16 лет после исчезновения «Проекта Лима» на Земле начинают происходить странные вспышки энергии, выводящие из строя электросистемы и сеящие хаос и разрушения. Мощные космические импульсы уже несколько раз становились причиной тотального блэкаута и, по расчётам учёных, через некоторое время могут уничтожить всё живое на планете. Импульсы эти движутся откуда-то со стороны Нептуна, и их источником, скорее всего, является затерянный корабль Клиффорда МакБрайда. Теперь сыну знаменитого космонавта, майору Рою Макбрайду, поручается ответственная миссия. Он должен добраться до марсианской базы и оттуда попытаться связаться с предположительно живым отцом.

Космос, как пространство абсолютного вакуума, давно и регулярно рифмуется в искусстве с вакуумом личным, становится идеальным местом для всяческого рода интроспекций — не так уж сложно обратить свой взгляд внутрь, когда снаружи нет ничего, кроме безжизненной холодной пустоты. Об этом «Гравитация» Куарона и «Луна 2112» Дункана Джонса, о том же частично «Интерстеллар» и низкобюджетная «Любовь» Уильяма Юбэнка, с этой позиции «Солярис» Тарковского уничижил «неестественную» «Космическую одиссею» Кубрика. В последние годы Голливуд как-то особенно зачастил в космос — то ли политическая обстановка заставляет заниматься настолько далёким эскапизмом, то ли никак не отпустит куароновско-нолановский наградный успех. В том году был «Человек на Луне» Дэмьена Шазелла, в этом помимо «К звёздам» выйдут «Проксима» и «Бледная синяя точка» на ровно одну тему: астронавты возвращаются домой, стремятся обратно вверх, но снится им совсем не рокот космодрома и не эта ледяная синева.

«К звёздам», правда, никак не получится приписать ни политическую конъюнктуру, ни желание влиться в космический тренд: во-первых, сценарий фильма Джеймс Грэй начал писать ещё лет семь назад, во-вторых, слишком уж идеально картина встраивается в его фильмографию. Герои Грэя — вечные иммигранты, которых он сначала настойчиво пытался примирить с домом, затем — отправить от него куда подальше. Мечтой свалить с любимой в Сан-Франциско горит Хоакин Феникс в конце «Любовников», сбегает из неблагополучной Польши в поисках лучшей жизни Марион Котийяр из «Роковой страсти», раз за разом отказывается от спокойной семейной жизни Чарли Ханнэм, пытаясь найти «Затерянный город Z». С последним фильмом «К звёздам» так вообще ближайшие побратимы: обе картины рассказывают о людях, которые одержимо бегут от дома туда, сами не знают куда (или знают, но помогает это не сильно), в поисках того, сами не знают чего.

В обоих случаях Грэй в неожиданных пропорциях мешает глубокую метафизику личностной драмы с совершенно авантюрными сюжетами: в «Затерянном городе Z» открыто цитируется первопроходческая героическая поэзия Киплинга, а «К звёздам», если пересказать сюжет без психологических деталей, будет звучать как экранизация бульварной фантастики. Все эти космические пираты, базы на Марсе, сбрендившие звёздные приматы и полёты через астероиды с металлическим щитом наперевес вроде как совсем не подходят депрессивному фильму о бесконечно несчастном человеке. Но в них и есть, пожалуй, особый греевский шарм: модернистский вайб режиссёра, использующего жанровые тропы так, будто до него про космос не снимали вообще ничего, и потому не имеющий представлений о «низком», «высоком», «нелепом» и «неподходящем». Только у него «Солярис» в секунду может стать «Ковбоем Бибопом».

Есть в этой модерновости Грэя, конечно, и негативная сторона — в «К звёздам» он как-то совсем по-литературному сентиментален и постоянно дублирует визуал монотонным закадром, бубнящим риторические экзистенциальные вопросы. Наложенные поверх фильма речи Брэда Питта звучат так, будто их приделали продюсеры где-то на поздних стадиях производства — примерно как это было с театральной версией «Бегущего по лезвию», — а то вдруг глупый зритель не поймёт, что ощущает герой и что им движет. Это обидно, ведь «К звёздам» всё прекрасно объясняет без слов: во взгляде и аскетичных маньеризмах Питта психологии несравнимо больше, чем в сухом тексте, а великолепная камера Хойте Ван Хойтема — похожая то на Диккинса в сиквеле всё того же «Бегущего по лезвию», то на Любецки в «Гравитации» — фиксирует отчуждённость и тотальную дезориентацию героя в миллиарды раз лучше его монологов. Чисто кинематографически «К звёздам» — один из самых впечатляющих фильмов последних лет, удивительно совмещающий грандиозность космического эпика с камерной теплотой зернистой плёнки. И сложно, глядя на его формальные достижения, не думать о том, насколько фильм был бы лучше, если б чуть реже открывал рот.

Ближе к концу, впрочем, закадр успокаивается и даёт волю кинематографической поэтике Грэя, который в финале молчаливо и без всякого надрыва подытоживает собственные философские искания из «Затерянного города Z». «Человек всегда должен тянуться к звёздам. Иначе зачем нам небо?» — утверждала одна из героинь его прошлого фильма. «Да, в общем-то, незачем», — уверенно отвечает ей «К звёздам». На небе, утверждает Грэй, нет ничего, что вы не смогли бы найти на Земле — везде, куда проникли люди, будут одинаковые лавки «Сабвэя», одинаковые радости и одинаковые проблемы. Тянуться туда совершенно незачем: человеку в конце концов нужен только человек. А вы и дальше идите, свищите, летайте в свои далёкие галактики, а я пойду наслаждаться прекрасным осенним закатом на берегу тёплой южной реки.

Зритель, который будет ожидать драйва, саспенса, гонок, перестрелок, суеты - будет жестко разочарован. Точно не советую этот фильм тем, кто хочет весело и задорно провести время. Фильм похож на сеанс аутопсихотерапии, и полон доброй грусти и созерцания. Это фильм - медитация, аналог «Интерстеллара» или «Марсианина». В нем много тишины, по меркам больших студийных американских проектов. В нем идет размышление о времени, о балансе жизни и смерти. О том что мы несем в себе на протяжении своего отрезка проживания - какие страхи, какую боль, какую любовь.

Грэй периодически выводит зрителя из состояния глубокой задумчивости, которая у многих рискует перетечь в скуку, и подкармливает бойней на одной из планет, крупным планом Брэда и просто фантастическими съемками открытого космоса.

На выходе получается вещь в себе. Герметичный фильм, полный рефлексии автора, чарующе красивый, с потрясающей музыкой. Возможно, это самый красивый фильм за последние годы. И, конечно, в нем солирует один из лучших актеров в истории, вернувшийся на Олимп в прекрасной физической и профессиональной форме - Брэд Питт.

Когда мы видим Питта в кадре, в его глазах слышно больше, чем в его словах. Они как будто постоянно в поиске, находят одну звезду и сразу же смотрят куда-то дальше, за неё. Они наполняются космосом, который больше того, который он бороздит на корабле. Его внутренний мир и есть космос, и он, по сути, есть в каждом из нас. С нашими бедами, нашими проблемами, переживаниями. Эта метафора нужна для того, чтобы напомнить нам о том, что мы не просто люди, мы нечто большее. И естественно, нам тяжело удержать это в одиночку, а значит нам нужен кто-то. Финальный акт картины Грэя это подтверждает, а Питт демонстрирует. И делает это так, что выдает одну из лучших ролей в своей карьере, гипнотическую, завораживающую и искреннюю.

Вся эта личностная драма разворачивается огромным полотном, на котором рисует оператор Хойте Ван Хойтема. Долгие широкие планы, красивые панорамные виды планет. Хойтема грамотно дает масштаба всему этому и подчеркивает, что на фоне таких масштабных локаций, всегда есть место чему-то живому, что способно заполонить собой все вокруг. Камера правильно двигается за героем, как будто проходя вместе с ним путь от начала до конца. Она летит за ним к земле, стремится с ним ввысь, парит рядом в открытом космосе. Это позволяет максимально четко прочувствовать те изменения, которые происходят с нашим героем.

Простая истина, что всегда стоит пытаться, вновь и вновь, здесь подается не как жизненный девиз, а как помощь самому себе. И это, пожалуй, самое главное — желание помочь себе, желание изменить что-то в себе. Не стереть это из памяти, а сделать иным. И можно долго судачить на тему того, что законы физики не соблюдены, что реалистичность сцен в открытом космосе оставляет желать лучшего, но какая к черту разница, когда незнакомые тебе люди, режиссер, оператор, актеры, целенаправленно залезают к тебе в голову, чтобы помочь, чтобы подсказать, чтобы поговорить.

Интересные факты:

Фотографии молодого героя Томми Ли Джонса в оранжевом скафандре — это кадры из фильма «Космические ковбои».

В фильме задействованы Дональд Сазерленд, Томми Ли Джонс и Лорен Дин. В последний раз они вместе играли у Клинта Иствуда в приключенческом фильме «Космические ковбои» (2000).

Перед сценой поездки на луноходах Рою Макбрайду сообщают, что скоро полнолуние. Но во время поездки в небе Луны видна Земля, более чем наполовину освещённая Солнцем, что значит, что недавно было новолуние, следовательно полнолуние наступит ещё не скоро.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
В виду того, что комиксами практически в равной степени интересуется как мужская, так и женская аудитория, издатели не могли обойти стороной достойное представление слабого пола на страницах графических новел, наделив его особыми силовыми способностями, которые позволяли составить признанным героям наподобие Тора или Халка достойную конкуренцию. И в подобном контексте выражение «слабый пол» стало менять свою сущность, преобразуясь в энергию и мощь, с которой невозможно не считаться. Обладая практически безграничным запасом интересных женских персонажей, ребята из Marvel тем не менее хотели создать одну особенную героиню, которая могла бы дать фору целой команде «Мстителей», укрепленной мутантами профессора Ксавьера и Фантастической четверкой. В некотором смысле подобный образ мог конкурировать даже с самими Суперменом или же Зеленым Фонарем, появившимися в лоне издательства DC, но сравнение по силам и умением совершенно не волновало Marvel, ведь они планировали создать свою особенную историю, способную кардинальным образом повлиять на всю рисованную Вселенную. Поручено столь ответственное задание было писателю Рою Томасу и художнику Джину Колану, которые под присмотром самого Стэна Ли в 1968 году наконец-то создали одну из самых известных женских героинь комиксов, получившую звание майора ВВС и имя Кэрол Дэнверс. Наделив ее нечеловеческими силами и умением накапливать в своем теле энергию неимоверных объемов, создатели первым делом отправили ее на знакомство с аудиторией в серии «Супер-герои», где с ней познакомились миллионы вдохновленных читателей, потребовавших более тесного знакомства со столь неординарной и соблазнительной особой женского пола. И уже спустя год Кэрол Дэнверс, или же Капитан Марвел получила свою именную линейку графических новелл, успев тесно поработать с Росомахой и прочими героями Marvel, включая тех самых «Мстителей», с которыми не обошлось без ссор и драматических примирений. В популярной культуре Капитан Марвел встала на одну ступень с Чудо-Женщиной от DC, появилась в играх и мульт-сериалах, и на протяжении многих лет оставалась неизменным ориентиром и примером для девушек, которым был необходим пример для героического подражания. А это в свою очередь означало, что Кэрол Дэнверс просто обязана была появиться на больших экранах в рамках зародившейся в 2008 году Кино-Вселенной Marvel.

Проложив путь к сердцам зрителей посредством полномасштабной экранизации историй таких неординарных персонажей, как Железный человек, Халк, Капитан Америка и Тор, продюсер серии Кевин Файги тем не менее всегда думал о том, чтобы внедрить в Кино-Вселенную целый ряд сильных женских героинь, первыми из которых стали Пеппер Поттс и Черная вдова Наташа Романофф. Однако когда речь зашла о постановке первого фильма с женщиной во главе истории, Файги захотел продемонстрировать миру ранее невиданную икону, которая рассказала бы свою историю в отрыве от прочих картин Marvel и затем постепенно влилась в единый канон. На определенном этапе развития Кино-Вселенной было невозможно внедрить в историю именно Кэрол Дэнверс, чьи силы превосходили всех «Мстителей» в несколько раз, но когда на арену наконец-то поднялся неимоверный титан Танос, наконец собравший все Камни бесконечности, сделавшие его самым сильным существом, когда либо рожденным в нашей реальности, настало время пригласить на огонек и Капитана Марвел, без которой шансы на победу в противостоянии были практически ничтожными. Проработка сольного проекта о Кэрол Дэнверс стартовала для Marvel в один год с выходном третьей части «Железного человека» и велась на протяжении нескольких лет, подстраиваясь под художественные изменения Кино-Вселенной. И в конце концов после длительных переговоров и консультаций на пост главной героини заступила лауреат «Оскара» Бри Ларсон, а в режиссерском кресле оказались Анна Боден и Райан Флек, пришедшие из области сериалов и убедившие Кевина Файги, что им вполне можно поручить столь ответственный проект.

Сама история, представленная на экране, переносит нас в середину 90-х годов прошлого века и отчетливо демонстрирует, что слова агентов «Щ. И. Т.» Ника Фьюри (Сэмюэл Л. Джексон) и Фила Коулсона (Кларк Грегг) относительно того, что Тони Старк отнюдь не первый супер-герой в истории, подтверждаются конкретными фактами. Наша встреча с Кэрол Дэнверс (Ларсон) происходит в непростые времена становления героини, которая должна в полной мере осознать свои невероятные силы и дать отпор расе Скруллов во главе с генералом Талосом (Бен Мендельсон), рыщущим по Галактике в поисках некоего артефакта, способного подарить ему ключевой элемент в борьбе с противниками. Оказавшись на Земле, которая практически неизвестна Дэнверс при том, что является ее истинным домом, героиня раскрывает для себя совершенно незнакомую человеческую цивилизацию и шаг за шагом приближается к раскрытию тайны собственного сознания, которое решило запрятать в глубины сознания ключевые этапы ее жизни. Но вместе с осознанием себя, Кэрол не стоит забывать о приближении противника, который может оказаться куда более коварным, нежели изначально казалось. А в такой ситуации верить нельзя никому. Ну разве что за исключением Ника Фьюри.

Перенеся действия за полтора десятилетия до открытий первого «Железного человека», создатели фильма показывают нам совершенно другую Землю, которая еще не знала нашествия легионов Локи и не стала свидетелем пришествия всадников Таноса. И вместе с тем «Капитан Марвел» демонстрирует нам, что затишье на самом деле предваряет настоящую бурю, которая куда более пестрая, нежели мы представляли по всем прошлым фильмам Кино-Вселенной. Перепрыгнув границы земной атмосферы в результате чрезвычайного происшествия, Кэрол Дэнверс и создатели картины раскрывают перед нами ранее неизведанные галактические границы, в которых ведутся не менее кровопролитные войны, нежели те, что некогда вели на своем участке безграничного космоса властители Асгарда. Но все же фильм не собирается вдаваться во все тонкие детали масштабного противостояния, сосредоточившись именно на образе Кэрол Денверс, которой предстоит понять себя и принять то, кем она является. В связи с этим зрителям не получится сполна насладиться всем боевым великолепием героини, так как все самое поразительное авторы, по всей вероятности, оставили для последующих фильмов Кино-Вселенной. А данная картина лишь условно возвращает нас в прошлое, когда свою историю становления показали Тони Старк и прочие изначальные члены «Мстителей», играющие по первоначальным правилам Marvel, исключающим глубинное проникновение в историю персонажей в угоду ненавязчивому развлекательному элементу. Конечно нельзя сказать, что подобный подход обесценивает величие одной из самых известных женских героинь в истории комиксов, но в некотором роде можно сказать, что первое появление Кэрол Дэнверс получилось не столь эффектным, как многим бы хотелось.

«Капитан Марвел» — это вполне себе неплохой супергеройский фильм на один раз для неискушенного зрителя. В нем по минимуму имеются все плюсы современного развлекательного кино: обилие юмора разного калибра, хорошая картинка и спецэффекты, красочный экшен, лёгкая атмосфера и неплохая идея. Казалось бы, стандартный ориджин от Марвел, и это, по сути, так и есть. К сожалению, это и стало главной причиной того, что картина оказалась одной из самых неинтересных в местной вселенной. Оставить в восторге она может разве что НЕ фаната, или людей, НЕ знакомых с жанром кино-комиксов.

Все качества, стороны и аспекты данного творения либо сделаны на слишком обыденном уровне, либо на уровне ниже среднего. Взять, хотя бы, главную героиню. Вроде бы у неё имеется какая-никакая драма из-за потери памяти. Вроде мы узнаем о ней информацию, и понимаем, кто она такая. Однако, в том-то и беда, что нам это только рассказывают, а не показывают. Прошлое Кэрол Денверс раскрывается только посредством фотографий и рассказов других персонажей. Кроме роли в сюжете, мы о ней ничего не узнаем. О её отношениях с семьей и интересах имеются только намёки. Достаточно сложно проникнуться к персонажу, если о ней известно слишком мало.

Отдельно стоит остановиться на её силе. Перед нами одна из самых мощных персонажей во вселенной. Так может нам покажут эпическую битву с ордами врагов, или с существом ей равной?… К сожалению, нет. Кэрол Денверс бьется с противниками, которых, при желании, могла бы уложить одним пальцем. К слову, сам экшен здесь получился скучным и неинтересным. Банальные пиу-пиу, отбрасывания, удары сзади, швыряние предметов… в общем слишком обыденно. Местами проскакивали проблемы с постановкой, когда видно, что актёры падают специально, или когда пространство слишком затемняется, чтобы не было видно невысокую силу ударов.

Фильм не считает нужным рассказать более подробно о новых расах во вселенной. Если Скруллов хоть как-то успели раскрыть, то о расе Крии не рассказано почти ничего. Они воюют со Скруллами и все на этом. Как устроена их жизнь? Кто такой Высший Разум? Как они пришли к такому строю? И много других вопросов, ответы на которые мы не получим.

Кроме того, кино откровенно халтурит в плане сценария. Главная героиня попадает именно на тот корабль, который находится над Землей. Затем оказывается именно в том месте, где её найдет Щ. И. Т. К ней придет именно тот человек, который нужен по сюжету… в общем, понятно. На это можно было закрыть глаза, не будь более серьезных допущений. Особенно выделяется момент приобретения героиней своих способностей. Она должна была просто погибнуть после подобного инцидента. Однако, с ней происходит то, что выгодно по сценарию. Это сложно описать без спойлеров — это нужно видеть.

Еще одним сильным недостатком является то, что картина плохо влияет на саму кино-вселенную Марвел, оставляя сюжетные дыры и вопросы к предыдущим лентам. Если как-то можно смириться с тем, что Ник Фьюри был когда-то веселым шутником, то момент, из-за которого он потерял глаз, смотрится смехотворно и даже как-то издевательски, учитывая устоявшийся образ Фьюри. Эти аспекты лишний раз подчеркивают, что данное кино изначально не входило в планы студии. Оно было создано, чтобы подогреть интерес к четвертой части «Мстителей», объяснить сцену после титров «Войны бесконечности», а так же увеличить аудиторию лент студии за счет первого женского сольного фильма.

У данного творения имеется только одна безусловно мощная и интересная находка — это идея, которая подается через сюжет. Опять же, сложно говорить без спойлеров, но картина ясно, чётко и понятно доносит одну очень важную мысль. Она состоит в том, что зачастую мировоззрение человека крайне ограничено. Любое существо, называющее себя разумным, хочет видеть себя таким таковым и боится признаться даже в потенциальной возможности своей ошибки. Кроме того, прекрасно показано, как это помогает манипулировать подобными людьми тем, кому это выгодно. Противостояние расы Скруллов и Крии наглядно демонстрирует правдивость этой идеи.

И все же у фильма есть несколько неоспоримых достоинств наподобие неожиданно жизнерадостного Ника Фьюри, растиражированного во всех рекламных материалах рыжего котика, великолепного Бена Мендельсона и парочки отсылок к 90-м, которые не то, чтобы очень существенны, но вызывают улыбку. Да, фильм далеко не идеален, но для общего знания Кино-Вселенной с ним можно ознакомиться.

Интересные факты:

Анджелине Джоли предлагали 20 миллионов долларов за постановку фильма.

У Бри Ларсон аллергия на кошек, поэтому в сценах с Гусей использовалась кукла или компьютерная графика.

Действие фильма разворачивается в 1990-х годах, это прелюдия к историям таких героев кинематографической вселенной Marvel, как Ник Фьюри, Фил Колсон, Корат Преследователь и Ронан Обвинитель.

В комиксах кошку капитана Марвел зовут Чуи в честь Чубакки из «Звёздных войн» (Джордж Лукас, 1977). Здесь она названа Гусей в честь лейтенанта Ника Брэдшо по кличке «Гусь» из драмы Тони Скотта «Лучший стрелок» (1986).

Готовясь к роли, Бри Ларсон в течение 9 месяцев училась дзюдо, боксу и борьбе. Она также посещала базу ВВС США «Неллис» в штате Невада и беседовала с пилотами, включая бригадного генерала Дженни Левитт и майора Стивена дель Баньо.

Играя Талоса, Бен Мендельсон говорил с родным австралийским акцентом и переключался на американский выговор, только когда его герой маскировался под человека.

Писатель, актёр и автор комиксов Стэн Ли (1922-2018) появляется на экране в двух эпизодических ролях. Его показывают в логотипе Marvel Studios и затем ещё в поезде, читающим сценарий комедии Кевина Смита «Тусовщики из супермаркета» (1995), в которой он тоже сыграл небольшую роль.

В основу фильма положена сюжетная линия войны между Крии и Скруллами.

Униформы членов элитного отряда «Звёздная сила» сочетают в себе броню зелёного и белого цветов и элементы комбинезона капитана Марвел из комиксов 2012 года.

За первые сутки с момента появления трейлер фильма набрал 109 миллионов просмотров, став 11-м самым просматриваемым трейлером.

Кэрол Денверс приходит в бар «У Панчо», и зритель видит флешбэки, в которых она показана пилотом-испытателем ВВС. Бар «У Панчо» действительно работал неподалёку от базы ВВС США «Эдвардс» в штате Калифорния в 1940-х гг. Его нередко посещали такие известные пилоты-испытатели, как Чак Йегер, Роберт Андерсон, Джек Ридли, Джеймс Дулиттл и Базз Олдрин. Этот же бар фигурирует в приключенческой драме «Парни что надо» (Филип Кауфман, 1983), отсылки к которой есть и в этом фильме.

Имя Капитан Марвел появляется в фильме только во время финальных титров.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
История одного из самых масштабных и стратегически важных морских сражений на Тихом океане Второй мировой войны. После разгрома японской авиацией большей части флота США в Перл-Харборе до этого придерживавшаяся нейтралитета Америка вступает в войну. В июне 1942 года остатки американского флота под командованием адмирала Честера Нимица сражаются с Императорским флотом Японии у атолла Мидуэй.

7 декабря 1941 года, японцы атакуют Перл-Харбор. Об этом исходе сотрудник разведки Эдвин Т. Лэйтон говорил ещё давно, но никто к нему не прислушался. Теперь, когда война Японии официально объявлена, а руководство сменено, именно его стратегические советы станут определяющими в грядущих сражениях. Правда, на этот раз он утверждает, что следующий удар японцы нанесут по базе Мидуэй, причём единственный его аргумент — неоднозначные расшифровки вражеских передач.

Роланд Эммерих хотел снять фильм о битве за Мидуэй ещё в 90-х, но финансовые ограничения вынудили отложить проект аж на 30 лет. Чтобы кино всё-таки состоялось, в 2017 году режиссёру пришлось искать инвесторов, способных вложить в «Мидуэй» 100 миллионов долларов (это, кстати, сделало его одним из самых дорогих независимых фильмов). Эммерих, как известно, обожает истории пафосные, монструозные по размаху, но в то же время человеческие — такие, где на фоне смерти городов или даже планеты показаны судьбы простых людей. Конфликт американцев и японцев в этом плане казался идеальным материалом для типичного эммериховского сюжета, но подход режиссёра — как бы это иронично ни звучало в контексте военного фильма — дал осечку.

«Мидуэй» принадлежит к тому числу художественных военных фильмов, которые скорее являются высокобюджетной кинохроникой с сюжетом, чем непосредственно типичной для жанра "истории маленьких людей на фоне больших событий". В этом плане он очевидно проигрывает знаменитому «Перл-Харбору», которой несмотря на довольно сомнительную историчность, был очень богат на художественные и эмоциональные изыски.

«Мидуэй» же больше напоминает дорого-богато поставленную игровую кинохронику к какому-нибудь документальному фильму на канале History, что особенно бросается в глаза из-за очень схематично изображённых персонажей и механической последовательности событий. В этом фильм можно сравнить со страдающей теми же проблемами дилогией «Великая Французская Революция», но если французы таким образом пытались соблюсти нейтральность, американцы, скорее всего, просто старались максимально красиво показать одну из самых легендарных морских битв в истории.

«Мидуэй» не работает как гигантское эпичное полотно о величайшей американской победе. Эммерих пытается создать цельную историю — чтобы все персонажи и события в синергии образовывали единый портрет войны, — но нарратив скорее напоминает рассказы видавшего виды (в том числе и в небе над Мидуэйем) старичка-ветерана, который отвлекается на воспоминания о старых товарищах и перескакивает с темы на тему. Особенно это заметно во второстепенных линиях: ведь не рассказать о фигуре Джеймса Дулиттла или случайных экипажах авианосца, даже если в рамках сюжета их важность сомнительна, судя по всему, видится Эммериху и сценаристу Уэсу Туку величайшим преступлением перед американским патриотизмом. Но скорее это преступление перед динамикой фильма.

Нельзя сказать, что автор с этой проблемой сталкивается впервые. В «Годзилле» — мягко говоря, не самом удачном проекте режиссёра — сюжет тоже ударялся в крайности и гряз в своей несобранности, но это компенсировалось батальными эпизодами с гигантским чудовищем, разносящим Нью-Йорк. В «Мидуэй» же самые масштабные сцены выглядят наиболее вымученными. Тут уже дело не в Эммерихе: мастерство постановки никуда не делось, зато сказался то ли недостаток бюджета, то ли непрофессионализм художников по эффектам. Нападение на Перл-Харбор (в потенциале один из важнейших моментов сюжета, где взрываются огромные корабли и гибнут тысячи американцев) превратилось в кат-сцену из посредственной компьютерной игры. И в начале фильма этот тревожный звонок пугает даже сильнее, чем графика «Дня независимости» при пересмотре.

Но после Эммерих обращается к излюбленным локальным историям, и экшен тоже становится скромнее. Все достоинство «Мидуэйя» — в приземлённом, незначительном. В воздушных боях, где внимание приковано к разудалому Дику Бесту (даже по имени можно понять, что с ним шутки плохи), в кабинетных спорах, ожидании сражений — во всём, на чём авторы вдумчиво фокусируются дольше 10 минут, не желая снова посмотреть, «а что там у японцев». Даже в антураже — фактурных актёрах, одетых в максимально аутентичные костюмы и бродящих (за исключением сцен с ужасным хромакеем) по максимально аутентичным декорациям.

«Мидуэй» в плане «достоверности» вообще не вызывает вопросов. Очевидно, Эммерих и Тук ловко манипулируют зрителем (в госпиталях после Пёрл-Харбора людей собирают по кусочкам, пока японцы попивают саке у себя в квартале), но пафос и компромиссные титры — посвящение военным как американским, так и японским могут смирить даже придирчивого любителя докапываться до художественной правды. Хотя «Мидуэй», конечно, не столько о виновных в войне, сколько о безумцах, которые в ней побеждают. Американцы Эммериха — нация авантюристов, чудаков и просто тех, кто «не трусил и вёсел не бросил». Потому что только у них дешифровщиками работают бывшие музыканты, ныне круглые сутки коряво переводящие вражеские передачи, а офицер разведки на основании этих неточных данных может убедить командование сместить все силы на Мидуэй. Эммерих в какой-то степени тоже авантюрист, ведь он рискнул всем и снял проект мечты. Не зря он вводит в историю образ безумного режиссёра, который, находясь в эпицентре сражения, когда вокруг взрывы и трупы, продолжает искать лучшие кадры для фильма. Но, в отличие от этого персонажа, военная кинематография Эммериха, судя по всему, провалилась.

Интересные факты:

После унизительного расстрела японцами Перл-Харбора, победа при Мидуэе стала для Америки символом мощи, успеха и удачи. В горячке они тут же зачали на верфях обойму новых кораблей, в которой первому дали имя славного острова. Впоследствии помеченный счастливым именем авианосец кочевал по разным заварушкам: отирался у берегов Вьетнама и Кореи, кружил в Персидском заливе, поднимая «Бурю в пустыне». У тотемного старичка много раз меняли заклёпки, не давая уйти на покой, и только на пределе усталости металла списали на берег, пришвартовав у пирса в Сан-Диего, оставив висеть на якоре плавучей медалью отваги.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
«Мстители»: гид для тех, кто ничего не знал или успел все забыть.
Сколько супергероев в команде Мстителей, как все они связаны, с кем они постоянно воюют и почему, в конце концов, они такие популярные — разбираемся в самой мощной и долгоиграющей киновселенной на свете.

Откуда они взялись и какими были раньше.
Все началось в холодном марте 1941-го. Не дожидаясь вступления США во Вторую мировую войну, первый редактор молодой компании Timely Comics (впоследствии – Marvel Comics) Джо Саймон и будущая легенда индустрии комиксов Джек Кирби создали Капитана Америку. Этот образцово-показательный солдат, наделенный сверхспособностями и вооруженный непробиваемым щитом, в годы войны стал для американцев символом патриотизма, но утратил свою популярность, как только Гитлер пустил себе пулю в висок. Вторую жизнь Кэп обрел уже в составе Мстителей, которых Кирби и легендарный автор Стэн Ли представили миру в сентябре 1963 года. Команду супергероев, объединяющих свои силы в борьбе с врагами, которых невозможно одолеть в одиночку, основали Железный человек, Халк, Человек-муравей и Оса. Капитан присоединился к Мстителям позже, заняв место Халка.

Первое появление Капитана Америки на телеэкранах состоялось в 1944 году. Герой черно-белого сериала имел мало общего с тем Кэпом, которого мы знаем сегодня: он окружной прокурор по имени Грант Гартнер, в свободное время облачающийся в звездно-полосатое трико и вершащий правосудие там, где полиция бессильна.

Настоящая атака будущих Мстителей на американское ТВ случилась в конце 1970-х: в сериале «Удивительный Человек-паук» великовозрастный Питер Паркер пускал паутину толщиной в канат, в «Невероятном Халке» Брюса Бэннера и его зеленое альтер-эго играли два разных актера, а в телефильме «Доктор Стрэндж» главный герой был больше похож на цыганского барона, чем на могущественного колдуна.

С годами состав Мстителей в комиксах неоднократно менялся и дополнялся, на экраны выходили все менее смешные и иногда очень даже успешные экранизации (вспомним хотя бы трилогию про Человека-паука с Тоби Магуайером). Совершенно новый этап в жизни Мстителей начался в 2005 году, когда компания Marvel Studios объявила о решении создать собственную киновселенную, связав несколько фильмов о супергероях одной сюжетной линией.

Первым патроном в обойме этого космического бластера стал «Железный человек» 2008 года: он фактически вернул протрезвевшего Роберта Дауни-мл. из забвения и получил аж две номинации на «Оскар». Через два месяца на экраны вышел «Невероятный Халк» с Эдвардом Нортоном, который провалился в прокате и в глазах поклонников, но останавливаться было уже нельзя. Супергеройский бронепоезд под названием «Мстители» был запущен в 2012 году и мчит по рельсам бесконечности по сей день.

Кто все эти люди и сколько их (а также почему важно смотреть титры до конца).
Если вы спросите, сколько супергероев входит в состав Мстителей, ответим коротко: до фига! И, что страшнее всего, с каждым фильмом их становится все больше. Вообще, участие в команде Мстителей – понятие относительное, и порой непросто определить, кто является полноправным членом клуба, а кто просто прилетел на свет. Попробуем быстро разобраться, кто есть кто.

Главные Мстители.
Костяком Мстителей в киновселенной Marvel можно считать Железного человека, Халка, Тора и Капитана Америку. Именно они первыми получили полноценные сольные фильмы, в которые плавно «встраивались» другие герои – нередко лишь в сценах после титров (вот почему фанаты Marvel упорно досматривают титры в 3D-очках при включенном свете, пока уборщицы выметают из зала попкорн).

В «Железном человеке» (2008) мы познакомились с плейбоем, миллионером, гением и филантропом Тони Старком (Роберт Дауни-мл.) и его костюмом, а также с милым агентом Филом Колсоном (Кларк Грегг), который рассказал о существовании Щ.И.Т. – Шестой интервенционной тактико-оперативной логистической службы, которая занимается борьбой с суперпреступностью. А в сцене после титров появился одноглазый директор Щ.И.Т. Ник Фьюри (Сэмюэл Л. Джексон), который рассказал Старку об инициативе «Мстители».

Трагическую историю ученого Брюса Беннера (Эдвард Нортон, затем Марк Руффало), который в минуты гнева превращается в огромного тупоголового крушителя, мы узнали из «Невероятного Халка» тогда же, в 2008-м. Секретный агент Черная вдова (Скарлетт Йоханссон), прикинувшаяся юристом Натали Рашман, устроилась на работу в Stark Industries в «Железном человеке 2» (2010). Там же друг Старка полковник Джеймс Роудс впервые примерил костюм Воителя (Кьюба Гудинг-мл., затем Дон Чидл), а в сцене после титров Колсон нашел молот Мьельнир, который, как мы узнаем из «Тора» (2011), упал в пустыне в Нью-Мексико после того, как Один изгнал Тора из Асгарда. Кроме того, в «Торе» мы познакомились с Локи (Том Хиддлстон) и профессором Эриком Сэлвигом (Стеллан Скарсгард; он не Мститель, но важный для сюжета мужик), и мельком увидели Клинта Бартона, получившего за свою меткость прозвище Соколиный Глаз (Джереми Реннер).

В «Первом мстителе» (2011) мы, наконец, узнали, как хилый сирота из Бруклина Стив Роджерс превратился в занудного качка Капитана Америку (Крис Эванс), и познакомились с его лучшим другом Баки Барнсом — впоследствии он стал плохим Зимним Солдатом, а потом снова хорошим парнем под ником Белый Волк (Себастьян Стэн). Пролежав 70 лет во льдах, Кэп вернулся к жизни и присоединился к команде, первый состав которой мы увидели в фильме «Мстители» (2012). Там же мы узнали, что в Щ.И.Т. работают не только Фьюри и Колсон, но и отважная Мария Хилл (Коби Смолдерс), а в одной из сцен после титров состоялся дебют Таноса – главного плохого парня киновселенной.

Кто еще в клубе.
К восторгу поклонников, на этом комплектация клуба веселых и находчивых супергероев не закончилась. В картине «Первый мститель: Другая война» (2014) Кэп познакомился с бывшим военным Сэмом Уилсоном, который обрел крылья и стал Соколом (Энтони Маки). А в сцене после титров мы впервые увидели необычных близнецов Максимофф – Пьетро, обладающего сверхчеловеческой скоростью (Ртуть, Аарон Тейлор-Джонсон), и Ванду, владеющую телекинезом (Алая Ведьма, Элизабет Олсен).

В том же 2014-м году студия Marvel подарила нам «Стражей Галактики»: дерзкого афериста Питера Квилла (Крис Пратт), строптивую убийцу Гамору (Зои Салдана), наивного и добродушного силача Дракса (Дэйв Батиста), кровожадного енота Ракету (Брэдли Купер) и немногословное дерево Грута (Вин Дизель). В фильме выяснилось, что у Стражей и Мстителей общий враг – Танос, а значит, им не избежать объединения.

Побывав на темной стороне, но не найдя там никаких плюшек, к Мстителям в «Эре Альтрона» (2015) присоединились уже упомянутые Ртуть и Алая Ведьма (кстати, по комиксам они – дети Магнето из «Людей Икс», но об этом в фильме ни слова), а виртуальный слуга Тони Старка Д.Ж.А.Р.В.И.С. трансформировался в вездесущего андроида Вижена (Пол Беттани). Также в 2015 году вышел долгострой «Человек-муравей», из которого мы узнали об экс-супергерое Хэнке Пиме (Майкл Дуглас) и его преемниках – Стиве Лэнге (Муравей, Пол Радд) и Хоуп Пим (Оса, Эванджелин Лилли).

«Первый мститель: Противостояние» (2016) стал эдакой репетицией «Войны бесконечности», так как в нем собралась большая часть Мстителей и впервые засветились новые члены команды – Человек-паук (Том Холланд) и Черная Пантера (Чедвик Боузман), получившие свои «сольники» в 2017 и 2018 годах соответственно. Важным козырем в супергеройской колоде стал хирург Стивен Стрэндж (Бенедикт Камбербэтч, «Доктор Стрэндж», 2016), потерявший способность оперировать, но обретший власть над временем и пространством. Плечом к плечу с ним Мстителям помогает пузатый библиотекарь Вонг (Бенедикт Вонг).

Также на скамейке запасных оказалась целая армия отважных дам: женщина-киборг Небула (Карен Гиллан) перешла на сторону добра в «Стражах Галактики 2»; там же ребята подобрали Мантис (Пом Клементьефф) — инопланетянку, считывающую эмоции; правой рукой бога молний в «Тор: Рагнарек» стала Валькирия (Тесса Томпсон); а в «Черной пантере» немало экранного времени было уделено сестре героя Шури (Летиша Райт) и его телохранительнице Окойе (Данай Джекесай Гурира).

Но главной женской фигурой в киновселенной стала пропадавшая долгие годы в далеких галактиках Капитан Марвел (Бри Ларсон), о которой мы узнали из одноименного фильма, вышедшего накануне «Финала». Обладательница невероятных суперсил и идеальной укладки узнала о существовании Мстителей уже после того, как Танос уничтожил половину живых существ во вселенной. Поэтому именно на ее сверхспособности фанаты возлагают большие надежды: по словам «отца» киновселенной Кевина Файги, она едва ли не сильнейший супергерой в команде и сыграет одну из ключевых ролей в схватке с безумным Титаном.

Что у них за отношения и кто главный.
На первый взгляд, в супергеройской семье все тихо-мирно, «один за всех и все за одного», но когда люди, боги, монстры и прочие ряженые собираются в одной комнате, атмосфера накаляется.

Наибольшее число конфликтов провоцирует Тони Старк. С детства страдающий от нехватки отцовского внимания, Старк всегда стремится быть в центре и делает это самыми разными способами: подкалывает остальных, придумывая им хлесткие прозвища, считает себя умнее других (на одну ступень развития с собой ставит разве что доктора Беннера) и вообще пытается выдавать себя за лидера группы.

Такой расклад более-менее устраивает всех, кроме Капитана Америки. Прирожденный командир, помешанный на военном уставе, он недолюбливал Говарда Старка, отца Тони, и перенес эту неприязнь на сына. Кульминацию их ожесточенной борьбы за лидерство мы увидели в «Противостоянии», где команды Тони и Кэпа стенка на стенку бились в аэропорту Лейпцига. К счастью, никто не умер, но бедолага Воитель в результате заварушки оказался практически полностью парализован.

Любить – а не только воевать – супергерои тоже умеют.
Старк проникся доверием к своей помощнице Пеппер (Гвинет Пэлтроу), и в итоге она стала его возлюбленной, а заодно и генеральным директором Stark Industries. Наташа Романофф на досуге флиртует как с Брюсом Беннером, так и с его жутким альтер-эго.

Алая Ведьма еще в «Эре Альтрона» успела приворожить наивного Вижена, а Питер Куилл на протяжении двух фильмов пытался склонить к интиму Гамору. Даже у хмурого Соколиного Глаза на засекреченной ферме обнаружились жена и трое детей.

С кем они все время воюют: главные враги Мстителей.
Локи (Том Хиддлстон) – приемный сын Одина и родной сын ледяного великана Лафея, сводный брат Тора и Хэлы. Хитрый, расчетливый, умеет принимать облик любого человека. На протяжении всей франшизы мечется от сиюминутного добра к вселенскому злу. Комплекс приемного ребенка толкает его на всякие глупости типа предательства родных и попыток завоевания Земли, но в целом он симпатичный малый с хорошим чувством юмора.

Альтрон (Джеймс Спэйдер) – созданный Таносом разумный сгусток энергии, который сначала жил в скипетре Локи, потом был преобразован Тони Старком в искусственный интеллект и в результате стал смышленым роботом, выполняющим классическую программу по уничтожению всего человечества. Расколошматил целый регион в Восточной Европе и пал от рук своего «брата по разуму» Вижена.

Танос (Дэмион Пуатье, затем Джош Бролин) – амбициозный выходец с Титана, всю жизнь комплексовавший из-за внешности и косивший инопланетян миллиардами. Является приемным отцом Гаморы и Небулы – и отцом, прямо скажем, никудышным, так как обе дочурки люто его ненавидят. Собрав полную перчатку Камней Бесконечности, стал самым могущественным и неуязвимым существом в мире. Считает, что, уничтожив половину населения Вселенной, щелчком пальцев решил проблему перенаселенности и избавил планеты от дефицита ресурсов, нищеты и прочих напастей.

Что вообще происходит, или Сюжет всех фильмов в пяти предложениях.
Если выстроить все полнометражные фильмы киновселенной Marvel в хронологическом порядке — а их уже больше 20, можно с удивлением обнаружить, что в них – сюрприз! – прослеживается вполне внятный сквозной сюжет. Вот он:
Страшный злодей-мутант Танос одержим идеей уничтожения половины всего живого. Для этого ему необходимо собрать Камни Бесконечности, часть которых находится на Земле. Через своих приближенных он передает Локи магический посох, с помощью которого тот должен захватить Землю. Когда Локи проваливает операцию, Мстители случайно запускают план «Б» Таноса и освобождают заключенный в посохе искусственный разум – Альтрона, запрограммированного на уничтожение человечества. Однако и робот-всезнайка терпит крах, и тогда Танос решает все сделать сам: собирает камни, щелкает пальцами и, к ужасу фанатов, обращает в пыль 50% обитателей Вселенной, в том числе — значительную часть Мстителей. Чем обернулся геноцид Таноса и удастся ли Мстителям воскресить павших друзей — узнаем в «Финале».

И все же, что это за побрякушки — Камни Бесконечности?
Еще до начала Вселенной существовало шесть сингулярностей, которые в результате Большого взрыва сконцентрировались в шести осколках, или камнях. Камень Пространства (Тессеракт) – управляет, как несложно догадаться, пространством, Камень Реальности (Эфир) – изменяет реальность, Камень Силы (Сфера) – дает доступ ко всей энергии, существующей во вселенной, Камень Времени (Око Агамотто) – обеспечивает полную власть над временем, Камень Разума (Посох) – управляет сознанием всех живых существ и, наконец, Камень Души (планета Вормир) – позволяет похищать, подчинять и изменять души живых или мертвых существ, обладает собственным разумом и испытывает голод, который может утолить только душами.

Чтобы камни не звенели в кармане, существует специальная Перчатка. Обладатель заряженного всеми шестью стекляшками аксессуара становится всемогущим властелином вселенной.

За что принято любить Мстителей.
За юмор.
Одно из принципиальных отличий кинематографической вселенной Marvel от той же DC Comics заключается в том, что каждый фильм про Мстителей наполнен не только драками, взрывами и спецэффектами, но и юмором. Самые серьезные и драматические моменты периодически прерываются шутливыми репликами или забавной мимикой героев. Чего стоит одна только сцена после титров первых «Мстителей», в которой главные герои 30 секунд молча едят шаурму в разгромленной забегаловке.

За эпичность.
В Marvel не экономят на актерах и спецэффектах — и получают колоссальную отдачу. И мы сейчас не про миллионы поклонников по всему миру:
Киновселенная Marvel занимает первое место в списке самых успешных с коммерческой точки зрения кинофраншиз в истории, опережая даже «Звездные войны» и фильмы про Гарри Поттера.

Четыре фильма киновселенной Marvel входят в первую десятку самых кассовых фильмов в истории кинематографа: «Мстители: Война бесконечности» на четвертом месте, «Мстители» — на шестом, «Мстители: Эра Альтрона» — на восьмом, «Черная пантера» — на девятом.
В фильмах киновселенной заняты 45 актеров-номинантов на «Оскар», из них 18 – обладатели одной или нескольких золотых статуэток.

Фильм «Черная пантера» стал первой картиной киновселенной, номинированной на «Оскар» в категории «Лучший фильм», что сопровождалось бурным обсуждением в прессе и недоумением кинокритиков. Также это первый фильм киновселенной, получивший «Оскары» за: лучший саундтрек, лучшие костюмы и лучшую работу художника-постановщика. Всего у «Черной пантеры» было семь номинаций.

«Война бесконечности» и «Финал» стали самыми ожидаемыми фильмами 2018 и 2019 годов соответственно, побив исторические рекорды по предпродажам билетов во многих странах мира. Это привело к тому, что сайты кинотеатров и билетных операторов не справлялись с наплывом посетителей, а перекупщики начали продавать билеты на первые дни показа в несколько раз дороже номинала. Так, например, пригласительный билет на закрытую премьеру «Финала» на ММКФ можно было купить с рук за 50-150 тысяч рублей за штуку.

«Мстители: Финал» станет самым длинным фильмом киновселенной: его хронометраж насчитывает 182 минуты.

За заигрывание с фанатами.
Marvel Studios не побоялись критики со стороны поклонников оригинальных комиксов и практически с нуля создали громадную независимую вселенную с собственными персонажами и сюжетными линиями, превратив кино не просто в аттракцион, но в целый квест. В каждом фильме и сериале Marvel есть масса «пасхалок» для поклонников: отсылки к комиксам, намеки на прошлые или грядущие фильмы, обрывки сюжетов, которые находят свое продолжение в многочисленных фанатских теориях.

В каждой полнометражной ленте есть хотя бы одна сцена после титров, которая намекает на события последующих картин и / или призвана просто повеселить поклонников.

За неожиданные появления Стэна Ли.
Начиная с 1989 года в каждой кино- или телеверсии комиксов «родной отец» большинства героев вселенной Marvel Стэн Ли исполнял камео — крошечную роль, которую можно и не заметить, если не знать, как он выглядит. Эта традиция прервалась вместе с жизнью легендарного художника 12 ноября 2018 года. Различные кадры с участием Стэна Ли разместились на гранях логотипа Marvel во вступительных титрах «Капитана Марвел» — первого фильма киновселенной, выпущенного после смерти мастера. Трогательное послание сопровождалось надписью Thank you, Stan («Спасибо, Стэн»).

Хотя наш гид затрагивает только героев и сюжеты полнометражных фильмов, связанных именно с инициативой «Мстители», вселенная Marvel гораздо шире и с каждым годом только растет. Разобрались, кто есть кто и что здесь вообще происходит? Отлично! Беритесь за короткометражки и телесериалы – они-то вас точно окончательно запутают.

«Мстители: Финал» — это оммаж. Конец саги. Благодарность. Открывается дверь для тех, кто придет на смену. И уже не терпится увидеть, куда дальше двинется индустрия и кто же будет следующим. А если прощаться, то именно так! Из всех предыдущих фильмов взято понемногу юмора, серьезности, режиссерских ходов. Будто бы все части «Мстителей» и того, что было между ними, разом проносятся перед глазами во всем своем разнообразии и непохожести, соединяясь наконец в эпичное мозаичное полотно. «Финал» проходит по своеобразной аллее славы, цитирует целые сцены и без всяких зазрений совести занимается откровенным фансервисом. Впрочем, делает это талантливо и остроумно, беспрецедентно, с наивысшей пробой, на века. Братья Руссо не обманули — «Финал» действительно обернулся грандиозным прощанием с по-настоящему волшебной киновселенной.

Интересные факты:

21 июля 2019 года фильм установил мировой рекорд по сборам и стал самым кассовым в истории.

За первые дни проката фильм установил несколько рекордов бокс-офиса: самое быстрое достижение сборов в 1 миллиард долларов (5 дней), самые большие сборы за уик-энд в мире (1,2 млрд. долларов), самые большие сборы в мире за уик-энд для формата IMAX (91,5 млн. долларов), самые большие сборы в мире за уик-энд для формата 3D (540 млн. долларов).
9 мая 2019 года фильм преодолел планку общемировых сборов в 2,2 миллиарда долларов, сместив тем самым со второго места в списке самых кассовых фильмов в истории «Титаник» Джеймса Кэмерона. Последний, в свою очередь, поздравил команду Кевина Файги в своем Twitter, написав следующее: «Кевину и всем друзьям в Marvel. Когда-то айсберг утопил «Титаник» . А теперь Мстители утопили мой «Титаник» . Все мы в студии Lightstorm Entertainment приветствуем это выдающееся достижение. Вы наглядно продемонстрировали, что киноиндустрия не просто жива. Она куда мощнее, чем прежде».

Натали Портман не участвовала в съемках фильма, вместо этого была использована удаленная сцена из «Тора 2: Царство тьмы», к которой актриса записала закадровый голос.

Полную версию сценария читали только Крис Эванс и Роберт Дауни мл.. Остальные актёры ознакомились исключительно с той частью, в которой появлялись их персонажи.

Первый официальный трейлер фильма стал первым в истории канала YouTube, набравшим меньше чем за 4 часа свыше миллиона «лайков».

Первый фильм вселенной Marvel со времён «Невероятного Халка» (сцена, где Тони Старк заходит в бар, идёт до титров), не включающий в себя сцен после финальных титров.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
Лос-Анджелес, лето 1969 года. Бывшая звезда телешоу Рик Долтон и его приятель-дублер Клифф Бут ищут способ пробиться в большое кино и пытаются найти своё место в меняющемся мире киноиндустрии.

Если попытаться вывести формулу, по которой Тарантино снимает культовое кино, то все дело в точно выбранной целевой аудитории. Он снимает только для одного зрителя — самого себя. Только поняв это, можно смотреть и понять данный фильм. «Однажды в... Голливуде» явно отличается от предыдущих работ, но все равно сохраняет фирменный почерк. Его безусловно авторский стиль легко распознать по характерным признакам:

- длинные живые диалоги хорошо прописанных персонажей

- закрученный часто нелинейный сюжет

- много эстетичного экстравагантного насилия

- циничный юмор

- масса отсылок к старому кино и самоцитирование

- проверенная обойма высококлассных актеров

- особое внимание к саундтреку.

Для девятого фильма максимальное значение приобретает контекст. Сюжет основан на реальной истории убийства беременной актрисы Шерон Тэйт (Марго Робби) и ее друзей в особняке ее мужа — известного режиссера Романа Полански. Убийство (и не только это) было совершено сектой хиппи под предводительством Чарльза Мэнсона. Поэтому осознанный просмотр требует предварительной изыскательной работы. Однако хедлайнерами сюжета выступают выдуманные персонажи: угасающая звезда вестернов Рик Долтон (Леонардо ДиКаприо) и его дублер (Брэд Питт). Уверен, что этот дуэт теперь может соперничать в своей органичности с самыми яркими парами классических buddy movie и, как минимум, добавит им номинаций на Оскар.

В целом вся канва — это переплетение фактической и альтернативной реальности. Не с проста название фильма «Once upon a time…» - в англоязычной культуре так начинаются сказки. На этот раз количество фирменных диалогов и насилия сведены к минимуму, в сущности весь фильм — это неспешная подводка к финальной кульминации. Кажется, что за два с половиной часа экранного времени толком ничего не происходит, но оторваться от этого невозможно.

Девятый фильм Тарантино выдался непохожим на предыдущие произведения автора, хотя отсылки к прошлым работам встречаются на каждом шагу. Это рассказ о киноиндустрии конца 60-х, почти трёхчасовой марафон, который будет не простым испытанием для тех, кто не знает Брюса Ли, Романа Полански, Шэрон Тэйт и историю Чарли Мэнсона. Фильм о Голливуде. Солнце, музыка, тачки, женские ножки, красавец Лео, красавец Питт, красавица Робби, всё здесь радует глаз и сердце... Этому фильму прощаешь даже банальный сюжет, минимум динамики, отсутствие фирменных Тарантиновских диалогов, и без всего этого оказывается может получиться отличное самобытное произведение. Юмора в картине не особенно много, но эпизоды с женой Клифа, Брюсом Ли и огнемётом просто великолепны.

Итак, о чем же это кино?

Для начала позволю полюбившуюся мне цитату: «Ничто из сотворенного умом не имеет смысла, если сквозь это творение на тебя не смотрит лицо любящего тебя человека!»

Говоря простым языком, любое произведение искусства, если оно не про любовь — в топку его! «Once upon a time in... Нollywood» про любовь. Однозначно!

В каждой сцене, в каждом кадре видны любящие глаза режиссера. Огромная, всепоглощающая и нежная любовь к героям фильма — своим коллегам. Принятие и понимание их слабостей, сочувствие, и добрая ирония.

Герой Ди Каприо (Рик Долтон), страдающий и рефлексирующий от того, что кино карьера, так толком и не взлетев, идет под откос и время неумолимо. Внешне спокойный и уверенный в себе Клифф Бут, которого блестяще сыграл Брэд Питт, не сумевший за достаточно долгий киношный стаж каскадера заработать достаточно денег для нормального жилья и оказавшийся на склоне лет на обочине киноиндустрии. А какой любовью и нежностью пропитана сцена похода в кинотеатр героини Марго Робби (Шерон Тэйт)! Чистая, наивная, детская душа с по-детски не очень чистыми пяточками на спинке кресла напротив.

Как и положено, в сказках должны быть злодеи. Целая банда. Хиппи, в сознании большинства людей, дети цветов, романтичные бродяги пропагандирующие непротивление злу насилием и свободную любовь, в контексте исторических событий приобретают зловещие черты. Конечно же в хорошей сказке зло должно быть наказано.

К какому жанру можно отнести «Однажды в... Голливуде»?

Невозможно четко ответить на этот вопрос. А из-за отсутствия сюжета, как такового, фильм может показаться сумбурным и растянутым. Фильм о том, как успешные, красивые люди просто живут в кадре, и за этим почему-то приятно наблюдать. Здесь и авторские персонажи, и реальные люди, смесь реальности и фантазии. Фантазия здесь означает параллельную жизнь, мечты т.е. события могли бы сложиться по другому, не так, как на самом деле.
Впрочем, режиссер ни секунду и не уговоривает зрителя верить в реализм происходящих на экране событий — это его собственная вселенная со знаменитыми несуществующими сигаретами марки Red Apple. И здесь Тарантино — царь и бог, способный переписать историю так, как захочется самому. Истории немного даже детские. Ребёнок может помечтать о том, как он победит самого Брюса Ли; ребёнок способен уйти из страшной реальности в мир своего воображения, в котором всё окажется не так, как было на самом деле: злодеи побеждены и унижены, а хорошие люди живут долго и счастливо. Сочетание фирменного тарантиновского постмодернизма и ребяческого фантазёрства (очень сильного в своей непосредственности и искренности) — это одна из главных и лучших составляющих нового фильма.

Некоторая детскость нисколько не умаляет психологических качеств картины. Более того, присутствующая в «Однажды в... Голливуде» бессюжетность, выводит именно психологию главных героев на первый план. Интереснее всего наблюдать, как персонажи отражаются друг в друге. Актёр (Ди Каприо) напряжением сил играет крутого ковбоя, его дублёр-каскадёр (Брэд Питт) — таков от природы. Другой важный персонаж фильма, женский, пусть не очень глубок, существует для того, чтобы украшать собой мир — и режиссёр не смеет попрекнуть её простотой, напротив, находит в ней святую и неприкосновенную красоту и по прежнему любуется женскими ступнями...

«Однажды в...» — очень личный, метафоричный захватывающий фильм, снятый в ослепительных цветах голубого неба и золотого заката. Лос-Анджелес 1969-го восстановлен с типичной для Тарантино точностью и маниакальным знанием деталей поп-культуры. Но здесь мы видим нечто новенькое: настоящую ТВ-манию, — невероятное значение маленького экрана в жизни людей. Это фильм, в котором режиссер буквально сталкивает между собой эпохи, и, наконец-то фильм, которым Квентин позволяет дотронуться до частички его души, и это здорово. В картине вскрываются более личные и важные элементы режиссёрского почерка. Тарантино называет фильм самым близким. Это такая весьма личная, песнь-воспоминание о времени которое уже не вернуть назад, времени которое Квентин всей душой любил и любит до сих пор.

Квентин решил встроиться в старое жанровое кино, уловить ускользающую душу эпохи, когда фильмы были особенными, люди проще. Здесь, хватает много упоминаний популярных в ту эпоху киноделов, фильмов и сериалов, каждый кадр несёт в себе частичку ностальгии, ностальгию которой с огромным трепетом и любовью Квентин делится с нами.

Большой любитель мудрёной драматургии Тарантино, вдруг отпускает героев погулять, даёт им спокойно потанцевать, посмотреть кино, сняться в кино или, подраться с Брюсом Ли. Это уже не фильм-рассказ с главами и не фильм-игра, это фильм-наблюдение, и ритм ему Квентин выбирает соответствующий. Вторя названию, он с неторопливостью спагетти-вестерна рисует портрет времени, реконструирует мир Голливуда в самом его расцвете — что, по сути, и есть тот же Дикий Запад. Только ковбои тут ряженые, патроны холостые, а салуны — лишь картонные декорации.

Очередной шедевр Квентина Тарантино под виниловое настроение по уши погружает в Лос Анджелес 1969-го. Фильм полон изумительных цветов, контрастов и невероятных планов. А после финальной сцены оставляет странное смешение сентиментального сожаления и удовлетворенности возмездия.

Интересные факты:

Фильм отчасти основан на реальной истории зверского убийства юной и прекрасной беременной жены знаменитого кинорежиссёра Романа Полански сектой хиппи потрясла мир 60х годов настолько, что образ их главаря, Чарльза Мэнсона, растиражировали и навсегда отпечатали в западной культуре, как абсолютного злодея. Чарльз Мэнсон управлял сектой зомбированных культом своей личности «детей цветов», и расправа над ангельского вида Шерон Тэйт - женщиной на девятом месяце беременности и друзьями, которым не повезло гостить в её доме, была ритуальным демоническим убийством. Ну и протест трущобных хиппи против роскошно живущих богатых, куда же без него. Фильм предполагает знание этой истории, иначе даже нет смысла смотреть.

Чарльз Мэнсон, которому сейчас за 80, до сих пор отбывает пожизненное заключение.

Шэрон Тэйт (Марго Робби) смотрит в кинотеатре фильм со своим участием «Команда разрушителей» (1968). Было принято решение использовать кадры оригинального фильма, а не переснимать отдельные сцены с Робби в роли Шэрон. Непосредственно перед фильмом она смотрит трейлер картины «С. С. и Компания» (1970).

Стена с мозаикой в аэропорту, мимо которой идут герои, частично повторяет мозаику на стене в аэропорту из фильма Тарантино «Джеки Браун» (1997).

Персонаж Леонардо ДиКаприо Рик Долтон вдохновлен образами Эдда Бернса, Ти Хардина и совсем немного образом Уильяма Шетнера.

Персонаж Брэда Питта - Клифф Бут основан на главном герое фильма «Билли Джек» (1971) Томе Лофлине.

В фильме можно дважды услышать фрагменты саундтрека к фильму «Разорванный занавес» (1966), которые не были использованы его режиссером Альфредом Хичкоком в финальном варианте картины.

За неделю до назначенной даты начала проката фильма в Китае (25 октября 2019 года) релиз отложили на неопределенный срок.

В финальной сцене Клифф Бут, узнав нарушителя, не может вспомнить имя Текса Уотсона, на что тот отвечает: «Я дьявол и я пришел, чтобы делать дьявольскую работу». По словам Текса, именно это он сказал Шэрон Тэйт и гостям её дома перед тем, как их убить.

Военный фильм, в котором снялся Рик Долтон содержит в себе, как минимум, две отсылки к другим фильмам. Сам отрывок, как и постер – это реверанс в сторону фильма «Тайное вторжение» (1964). В то же время герой Долтона, прежде чем начать расправляться с нацистами, прячется за красными шторами – то же самое делали Донни Доновиц и Омар Улмер в ключевой сцене фильма «Бесславные ублюдки» (2009).

Когда персонаж Брэда Питта едет на машине, его снимают с разных сторон, в том числе сбоку из под низа. Этим ракурсом Тарантино хотел показать как он видел Лос Анджелес будучи ребенком, сидя в отцовской машине на заднем сиденье.

Описание (клик - развернуть/свернуть):
На президента США совершено покушение, главный обвиняемый – верный ангел-хранитель главы государства и агент секретной службы Майк Бэннинг. Скрываясь от ФБР, он должен найти тех, кто его подставил, и спасти страну и ее лидера от смертельной угрозы.

По общим показателям боевики «Падение Олимпа» (2013) и «Падение Лондона» (2015) от Антуана Фукуа и Бабака Наджафи соответственно собрали 376 миллионов долларов в мировом прокате. А если учитывать, что затраты на производство составили 130 миллионов, то нехитрое математическое действие позволяет нам говорить, что ленты окупили себя в прокате практически в три раза. И это несомненный коммерческий успех лейбла Millennium Films. Так что никто уже не удивится в пору современных тенденций, что вскоре было объявлено о запуске триквела. И это при том, что обзоры критиков, как и зрительские отклики были далеки от восторженных и скорее были близки к нейтральным, а порой даже к негативным.

Но была одна надежда, что третья часть франшизы о президентском телохранителе Майке Бэннинге в исполнении Джерарда Батлера окажется сильнее своих предшественников. У меня нет претензий к Антуану Фукуа, я знаю его фильмы и они в рамках своих жанров весьма неплохо смотрятся, но в ситуации с «Падением Олимпа» что-то пошло не так. Бабак Наджафи, сменивший Фукуа на посту в сиквеле, имел возможность обогнать своего более известного и авторитетного коллегу, но добился лишь номинации на «Золотую малину». И вот в трилогию приходит Рик Роман Во - автор сильнейших лент «Преступник» / «Felon» (2008), «Стукач» (2012) и «Выстрел в пустоту» (2015). И вот он, именно он должен был задать новую тональность в мэйнстрим-блокбастере «Падение ангела», который был презентован 20 августа 2019-го года.

Но даже присутствие такого потенциально сильного постановщика как Рик Роман Во не помогло триквелу обойти в рейтинговых показателях своих предшественников. При этом фильм обладает всеми нужными характеристиками жанра: экшн на должном уровне, пули так и свистят над головой, от бесконечных взрывов аж передёргивает, а техника развития действия напоминает культовый триллер «Беглец» (1993) с Харрисоном Фордом в главной роли. Но за всей ширмой отчётливо виднеется карикатурная политическая инсинуация, когда Россия выступает главным врагом США. До этого уже были террористы из других стран, где нет демократии по-американски, но тогда это не затрагивало наше чистолюбие, а теперь пускают будто насмешку в нашу сторону. Хотя развесистой клюквы не будет, да и мы с вами не будем такими уж плохими парнями, так что забудем об этом и не будем возвращаться. А вот, что портит восприятие - это то, что из сюжета совершенно исчезла какая-либо интрига. Всех антагонистов можно просчитать щелчком пальца и тогда остаётся от «Падения ангела» лишь оголённый экшн, то есть визуальное зрелище, лишённое осмысленности, только лишь хороший парень доказывает всем, что он хороший, попутно прогоняя с пути плохих.

При этом нет претензий к актёрскому составу. Джерард Батлер плотно врос в образ солдата без страха и упрёка, так что его Майк Бэннинг - буквально олицетворение идеального телохранителя президента, он и за безопасность отвечает и друг отличный, в общем, душа компании, о таком можно только мечтать. Морган Фриман не раз уже показывал, что может удивительно легко и тепло передавать образы интеллектуалов с важнейшими задачами планетарного масштаба (вспомним самый наглядный пример - «Брюс Всемогущий» (2003), где он предстал в образе Бога), так что президент вышел из него и проницательный, и добрый. В общем, тоже идеализированный. Основные злодеи фильма, как уже говорил, легко просчитываются, поэтому особого злодейского апломба в них не проглядывается. А вот, кто действительно порадовал - так это Ник Нолт, сыгравший отца Майка Бэннинга. Может это и не первый раз, когда Нолт играет желчных персонажей на грани психоза, но мы уже успели по ним соскучиться.

Так что, «Падение ангела», скорее всего, именно такой фильм, который все и ожидали - сплошной экшн с кучей стрельбы и взрывов, несколько брутальных образов и мир на грани чуть ли не ядерной войны, но бравая американская боевая единица остоит свою честь, а заодно и мир спасёт, и плохих парней раскидает. При этом огорчает хлипкий сюжет с массой вторичного материала и очевидные промахи в плане адекватности. А вот Рику Роману Во хотелось бы сказать, чтобы он трудился в духе «Преступника» и «Выстрела в пустоту», пока что киношный мэйнстрим не его дело.